Eusebio Sempere y su compañero Abel Martín aprendieron en París la técnica de serigrafía. A su vuelta a España en 1960, introducen esta técnica de estampación realizando bellísimas serigrafías de ellos mismos y de sus amigos artistas difundiendo así el arte abstracto hasta ese momento desconocido. Al principio, Sempere y Abel trabajaban juntos y después, a mediados de los años 60, Abel solo se encargaba del proceso técnico. Y así se convirtió en figura clave en la reproducción y difusión del arte contemporáneo en nuestro país.

La profunda convicción de que la obra gráfica merecía status de obra original, de que ponía el arte contemporáneo al alcance de una gran mayoría de público convirtiéndolo en fenómeno de masas y el respeto y entusiasmo que ambos profesan por la obra gráfica, repercute en la propia Colección Arte Siglo XX. Una impresionante muestra de dibujos, grabados, litografías y serigrafías viene a completar la extensa nómina de artistas imprescindibles, recorriendo así los territorios sugerentes del entramado artístico del siglo XX. Esta exposición muestra las obras realizadas en el contexto concreto, desde los cinéticos de París a los geométricos españoles.

La obra de Eusebio Sempere estampada en serigrafía por Abel Martín es bien conocida y un alarde de técnica y oficio. Sin embargo, es muy poco conocida la obra estampada que realiza Abel Martín como artista. Se desarrolla en apenas cuatro años, desde 1968 a 1972 y comprende muy pocas piezas, algunas de las cuales se muestran aquí.

Cuando conocemos a alguien, lo primero que miramos es su cara en busca de los signos que la distinguen. Seguimos su mirada, sus gestos, y estamos atentos a cada una de sus expresiones. Lo mismo hacemos cuando miramos un retrato, sea en pintura, fotografía, escultura o película, aunque sabemos que es una representación, una imagen compuesta por alguien con una intención concreta.

Tradicionalmente, el retrato ha sido un medio para crear la imagen propia de un personaje y distinguirla del resto de la sociedad. La fidelidad y la semejanza con el sujeto retratado han sido condición esencial, aunque el fin último siempre ha sido el de reflejar su identidad. Y es aquí donde el arte nos plantea interrogantes: pintar, fotografiar, dibujar... no es reproducir o revelar un «yo» sino crear una imagen. Hoy en día todos nos retratamos continuamente pero, como decía Roland Barthes, cuando miramos al objetivo de una cámara actuamos como si fuéramos «otro». Popularmente decimos que la cámara no miente, pero todos sabemos que en el retrato hay algo de ficción, que en realidad es una re-presentación.

El retrato ha llegado a nuestros días ampliando su definición. Con nuevos conceptos, técnicas y lenguajes, el arte más reciente despliega múltiples posibilidades de producir imágenes de la condición humana y de explorar la compleja noción de identidad, así como las implicaciones sociales que ésta conlleva. Las obras expuestas proceden de la Colección “la Caixa” de Arte Contemporáneo y aquí reunidas nos devuelven la mirada como un espejo social en el que nos hacemos aquellas preguntas tan eternamente humanas: ¿quiénes son? ¿cómo los veo? ¿quién soy yo? ¿cómo me ven?.

Antes del Arte fue un grupo de artistas formado en Valencia, a finales de la década de los sesenta del pasado siglo, cuya trayectoria goza de singular importancia en el decurso que ha seguido el arte contemporáneo español. El interés de sus investigaciones radica en su especial aproximación a la relación entre el arte y la ciencia; o, más bien, a la consideración tendente, en términos conceptuales, a la indiferenciación de las posibilidades de acción entre ambos campos del conocimiento.

La exposición planteada constituye una mirada retrospectiva sobre la corta, aunque tremendamente intensa, andadura de este colectivo artístico en un tiempo de especial trascendencia histórica, como es el que rodea el año 1968. Fundamentalmente, se reúne una parte considerable de las obras que integraron las tres principales muestras del grupo (Colegio de Arquitectos, Valencia, 1968; Galería Eurocasa, Madrid, 1968; y Galería As, Barcelona, 1969).

Se pretende reproducir, medio siglo después, el ambiente de aquellas exposiciones en las que se ponían ante el espectador objetos y dispositivos móviles capaces de generar diversas experiencias ópticas, perceptivas y estructurales (recurriendo, por cierto, en muchas ocasiones, a los mismos fundamentos físicos que empleaban los mass media y las compañías publicitarias de la época). Y ello se hace con la doble intención de poner de manifiesto el interés y la relevancia de aquella iniciativa y, además, ponderar el influjo que supuso en las trayectorias de los artistas participantes

El artista utiliza desde principios de los años 70 la fotografía con la finalidad de encontrar otras opciones al color dominante en su pintura: por abrir una investigación neutralizadora de su utilización violenta de colores complementarios.

Esta práctica fotográfica experimental le permite indagar sobre la construcción, reconstrucción y destrucción de la imagen. Técnicas de transformación como la fotografía, pero también la imprenta, la fotocopia y el collage reciclándose y trabajando en espiral. A través de esas técnicas Gordillo adopta modos del arte óptico y constructivista como la seriación, la repetición, las variantes y diferencias entre lo casi idéntico que le permiten desdoblar, simultanear y copiar una misma imagen obsesivamente.

Trabajando con el negativo y el positivo de la imagen, superpuestos o a veces ligeramente desplazados, y también descompuestos en los cuatro colores de la cuatricromía, Gordillo convierte las imágenes resultantes en “esquizoides”, un estilo singular empapado de melancolía irónica en parte influenciado por su larga practica psicoanalítica.

Gordillo, en su afán coleccionista, acumula tanto objetos banales de la cultura popular como imágenes de la prensa haciendo una amplia radiografía de la realidad; de todo ello se decantan imágenes de carácter psicodélico a veces cercanas al pop.

Los procesos fotográficos realizados básicamente en los años 70 alumbran una manera de entender el proceso creativo de Luis Gordillo, a veces encallado entre el azar y el automatismo, pero siempre perturbador donde asoman algunas de las obsesiones del artista: el encuentro con objetos absurdos, la acumulación incoherente e interminable de enseres que colecciona desde hace años. Cosas descontextualizadas  y cargadas de significado plástico que utiliza como materia visual que resultan imágenes de carácter psicodélico a veces cercanas al pop, cargadas de un humor preestablecido y maníaco. Y esa forma tan libertaria de hacer fotografía nos lleva a proponer esta serie de obras transcritas desde el psicoanálisis para conformar la exposición de Luis Gordillo.

Hacia 1980 Juana Francés abandona la crítica social para adentrarse de nuevo en la abstracción evocando, con sutiles referencias, cometas y paisajes submarinos. Una especie de viaje, desde el fondo del mar hasta el cielo, con el círculo y el rectángulo como figuras geométricas esenciales. Son obras sobre papel en las que el movimiento y el color estallan en armonía lírica con clara vocación de trascendencia.

Este camino de plenitud y madurez quedará truncado definitivamente por la muerte de Pablo Serrano, su compañero, en el año 1985. Juana vuelve entonces a los lienzos de gran violencia gestual y carga matérica, oscuros y dramáticos espacios siderales donde se refleja el dolor y que se relacionan con las primeras pinturas informalistas de la artista alicantina.

El título de la exposición Esteban Vicente. La pintura tiene que ser pobre hace alusión a un texto escrito por el artista, originalmente en inglés «Painting shoud be poor» que nos habla sobre el proceso de creación de una obra de arte y sobre el significado de su pintura. La muestra comprende una selección de 27 obras de la Colección Permanente del Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente que permite hacer un recorrido por la evolución del artista en sus diferentes etapas creativas.

Esteban Vicente se forma en España, cerca de los postulados de la Escuela de París y de los poetas pintores de la generación del 27. En 1936 marcha a EE.UU y se instala en Nueva York adscribiéndose a la corriente del expresionismo abstracto. Desde las composiciones enmarañadas y abigarradas de los primeros 50, su pintura evoluciona, en los años 60, hacia el mayor protagonismo de las formas que ordenan al mismo tiempo la composición. En los 70 el color conquista por completo la obra y cambia el pincel por el uso del aerógrafo, lo que le permite atrapar la luz gracias a la saturación del color. Esteban Vicente muestra un paisaje interior reducido a color, veladuras y matices, en una búsqueda constante del color y de la luz. En los 80 y 90, la pintura de Esteban Vicente alcanza la libertad; las formas orgánicas y diversas retoman la naturaleza como tema principal en formato de gran tamaño, los colores se multiplican, la luz emana de las obras, el color es la luz.

Una búsqueda de la luz que se convierte en esencial también en la creación de Eusebio Sempere en este caso a través de la abstracción geométrica y que se percibe en el propio espacio arquitectónico del MACA. Esta exposición es fruto de la colaboración entre el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente y el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, instituciones afines en tanto que contemplan entre sus funciones, la de promover la programación de exposiciones temporales que complementan la visión y estudio del arte contemporáneo.

Una de las líneas de investigación más importantes en la obra de Montserrat Soto es la reflexión sobre el arte a través de los espacios donde se muestra y alberga. En el año 1997 - en Silencios - la artista centra su atención en los almacenes de obras de arte de varios museos, los lugares donde el arte no se ve, donde el arte descansa. Posteriormente, Soto emprende durante cinco años el proyecto Paisaje Secreto, una serie de fotografías que recoge los interiores de un conjunto de casas de coleccionistas de arte contemporáneo en América y Europa. El arte se torna ahora en exclusivo, solo acceden a él los propietarios y sus invitados en la intimidad. En las salas del MACA podemos contemplar 13 de estas fotografías, pertenecientes a la Colección Telefónica.

Para llevar a cabo su proyecto, la artista consiguió colarse en estos hogares; espacios privados, inaccesibles pero cotidianos, y muy alejados de la sacralización que rodean a las obras de arte en los museos. Habitaciones, salones, comedores, despachos y hasta baños son los contenedores de obras artísticas, muchas de ellas de autores muy cotizados, cuyo objetivo en primer término es decorar estas estancias. Sin embargo, transforma lo privado en público y abre la puerta a un sinfín de aspectos conceptuales, simbólicos e incluso psicológicos, relacionados con el coleccionismo. 

Pintura, escultura, fotografía, objetos etnográficos o artes decorativas pueblan esta serie de fotografías de residencias anónimas a la espera de provocar en el espectador, que observa sorprendido y hasta atónito, todo tipo de sensaciones y preguntas: ¿Para quién se reúne semejante cantidad de objetos? ¿Cuál es el objetivo de poseer una colección? ¿Qué es lo que determina la selección de las compras? ¿Tiene siempre buen gusto un coleccionista…?

El arte como autorreferencia desde su trastienda más desconocida para el común de los mortales se convierte en una radiografía simbólica de los valores de la sociedad contemporánea. Y construye memoria que, a veces, es de todos.  
 

La Colección Arte Siglo XX fue donada por el artista alicantino Eusebio Sempere a la ciudad de Alicante para inaugurar el 5 de noviembre de 1977 el Museo de La Asegurada, uno de los primeros museos de arte contemporáneo de España. Hace ahora 40 años. Fundar un museo en plena transición democrática era un hecho político en sí mismo: lo de Sempere era una actitud y un convencimiento. Donar su colección privada fue consecuencia de un profundo compromiso con el arte contemporáneo. Un acto de fe extremadamente generoso que tal día convocó a las personalidades artísticas más importantes junto a un Sempere pletórico convencido de la trascendencia de su gesto.

Hoy, la Colección Arte Siglo XX constituye el pilar básico del MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. Una colección excelente, con vocación internacional, coherente y eficaz, que guarda las mejores obras de los protagonistas de casi todas las tendencias artísticas del arte del siglo XX. Está compuesta por 177 obras de 117 artistas entre pinturas, esculturas, dibujos y obra gráfica que se han ido mostrando, a lo largo de la historia y por diversos motivos, de forma fragmentaria.

Nunca hasta ahora se había mostrado completa al mismo tiempo. Y este 40 aniversario es un buen motivo para ello. Ocupando la Planta Baja y la Planta Primera podemos descubrir la gran importancia de esta Colección Arte Siglo XX. Las 177 piezas, los 117 artistas con el mismo objetivo que su fundador: facilitar el acceso del público al arte contemporáneo.

Como tercera exposición de la serie Todo Paisaje es ficción se presenta la obra de Ángeles Marco, una de las principales figuras responsables de la renovación del panorama de la escultura española desde los años 80. Perteneció a esa generación que transformó la plástica escultórica y que se denominó Nueva Escultura Española junto a artistas como Juan Muñoz, Jaume Plensa, Susana Solano, Eva Lootz, Miquel Navarro, Cristina Iglesias, Txomin Badiola, Pello Irazu, Sergi Aguilar, etc.

El minimalismo, el constructivismo y el arte conceptual son algunas de las influencias que se rastrean en sus instalaciones y esculturas, agrupadas en series que abordan distintas metáforas y sobre las cuales la artista vuelve una y otra vez. Emplea preferentemente el hierro y ocasionalmente, otros materiales como el caucho, la cera o el cristal. Los sentimientos de soledad y angustia dan aliento a sus piezas e instalaciones, provistas de un particular sentido narrativo.

La serie Salto al vacío y El tránsito es una de las más representativas de la artista valenciana y define su carácter experimental. La artista adopta tratamientos y recursos de distintas técnicas, directamente trasvasadas del mundo de la ingeniería industrial al quehacer escultórico. Dominaba técnicamente el oficio para dedicarse a la investigación artística. Salto al vacío es la postura que Ángeles Marco adopta frente a la realidad. Su angustia es literalmente una sensación de infinita libertad en el espacio. Sus “saltos al vacío” son consecuencia de ese vértigo de la libertad. La angustia es la presencia continuada de la nada: el sudor frío de estar de pie al borde de una ventana, el gozoso terror de la caída.

El tránsito es el segundo tema recurrente de la artista. El paso de un lugar a otro, de un estadio a otro. Son imágenes de pasillos, puentes, escaleras, pasajes, callejones… Pero también el tránsito de un estado químico a otro o, incluso, el camuflaje que pretende hacer invisible una presencia. La transición como escalofrío, un movimiento de oscuridad a oscuridad.

Esta exposición muestra una selección de obras de la Colección Fundación Mediterráneo que está depositada en este Museo de Arte Contemporáneo de Alicante gracias al convenio suscrito entre el Ayuntamiento de Alicante y la Fundación Mediterráneo.

La Colección Fundación Mediterráneo está compuesta por 212 piezas y recorre la obra de 125 artistas, los nombres más imprescindibles del panorama artístico español contemporáneo. Abarca un arco cronológico que recorre desde la transición democrática hasta nuestros días: un periodo artístico en España que corresponde a los últimos 40 años, tan generoso, cargado de ilusión, de energía, de desencanto, de derroche y de ingenuidad… pero también de reflexión, de denuncia, de compromiso, de aventura… Un periodo en el que conviven varias generaciones de artistas de forma normalizada como nunca antes había ocurrido, enriqueciéndose mutuamente, aprendiendo los más jóvenes de los indiscutibles maestros, y redescubriéndose en los más jóvenes la persistencia de lo imprescindible.

Con el tiempo 3… quiere reflexionar sobre la contemporaneidad de las obras mostradas, más allá de las referencias históricas ya conocidas en la Colección Arte Siglo XX y lo por venir. Referencias que entroncan con el gesto y la materia donde la obra es el proceso en una búsqueda continua de la pintura más pura, la que se representa a sí misma. Pero también con una generación de artistas que van a revisar profundamente la realidad para tratar la figuración desde mil puntos de vista. O con los más esenciales, aquellos que tratan directamente con lo sublime en un despojarse de todo para encontrar la espiritualidad, el hálito escondido de la belleza.