La muestra reúne una serie de obras que buscan espectadores críticos. Cuestionando la realidad social y política, la sociedad de consumo, los medios de comunicación, la publicidad, la ciudad, el espacio público y la presencia del poder y sus mecanismos de inclusión y exclusión social, estos artistas plantean obras incómodas, ácidas, provocativas… Una propuesta transversal donde el proceso de creación artística se convierte en la propia obra o que construye y deconstruye una realidad fragmentaria.
La visita aborda cuestiones el consumismo, la denuncia de los restos del consumo irrefrenable que caracteriza y obsesiona al ser humano y el compromiso social a través de los juegos lingüísticos y la contraposición irónica de imágenes...
La obra On Translation: Miedo/Jauf de Antoni Muntada trata de explorar “cómo el miedo –una construcción cultural/sociológica que siempre remite al ámbito político y económico- es una emoción traducida a ambos lados de la frontera desde perspectivas muy diferentes”. A partir del concepto de miedo, dábamos la oportunidad de que el público expresara de forma gráfica o literal su idea del miedo. Esto además, se convirtió en una obra colectiva que estuvo expuesta en un espacio del museo. Todas las visitas escolares representaron su idea del miedo, y el Día Internacional de los Museos se seleccionaron las mejores y fueron premiados.

Con la colaboración de la Asociación Explicarte.

La exposición que surgió en torno a la contextualización de la obra de Juan Gris, propone una visión del Cubismo alternativa a la de la historiografía tradicional.
Aunque la importancia de este movimiento es vital para el arte contemporáneo, se suele identificar de manera exclusiva con Braque y Picasso, así como a limitar al ambiente artístico de París y a la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, existieron otros cubismos que recogían las diferentes propuestas de artistas franceses, latinoamericanos y españoles.
Juan Gris es uno de los mejores representantes de estos otros cubismos. Su obra no es sólo importante por la continuidad que supone en el movimiento cubista después de 1918, sino que también es fundamental para conectar el desarrollo de la modernidad de Europa con Latinoamérica.
En esta ocasión las visitas pueden realizarse en torno dos temas fundamentales de este movimiento:
El retrato, en donde se trata de conocer los distintos tipos de retrato: primer plano o busto, plano medio o torso, plano general o cuerpo entero, etc. La importancia de la vestimenta para el retrato. La representación física y psíquica de un personaje. El título de la obra ¿qué se puede saber del retratado a través del título del cuadro?
La relación del cubismo con las diferentes expresiones artísticas de la época (música, literatura, artes escénicas) y describir un poco el panorama en el que se movieron los pintores cubistas.
El bodegón donde los protagonistas son la luz y los objetos; copas, botellas, muebles, periódicos ... Las ventanas que pueden ser interpretadas como la serena y metafórica contraposición entre los dos mundos que componen la visión del artista: interior y exterior -arte y vida-, en el terreno fronterizo de la ventana abierta.

Con la colaboración de la Asociación Explicarte.

Tratado sobre la naturaleza humana aglutina una serie de obras de distintos artistas que tienen en común la representación de la dimensión humana. Narrativas en torno al cuerpo humano como figura, como individuo, como fragmento. Entre la atracción y la repulsión las obras de artistas como Daniel Canogar, Enrique Marty, Javier Pérez, Santiago Ydáñez, Jana Sterbak o Javier Vallhonrat se enfrentan a la visión histórica de artistas consagrados como Juan Hidalgo, Esther Ferrer, Albert Porta o Pepe Espaliú para situarse en el territorio de la incomodidad, instándonos a la reflexión sobre nosotros mismos.
A través de las diferentes obras vemos que el cuerpo humano es el protagonista habitual sobre el que se reflexiona: el paso del tiempo, las formas, el género, el gesto, las emociones … .

Con la colaboración de la Asociación Explicarte.

Arquitectura inadvertida surge de la interacción de obras y artistas en torno a un descubrimiento: la poética de una arquitectura inadvertida pero presente y formalmente responsable de crear espacios literarios como escenas aisladas de un sueño. Misterios desvelados donde una columna, un árbol, una puerta, un foco, un pasillo, una escalera… ayudan a descubrir el escenario de una realidad estética muy personal. Indagar en aquello que habitualmente no miramos, atmósferas voluntariamente borrosas, espacios simbólicos y monumentales pero también espacios vividos que evocan a veces un pasado olvidado, una memoria que trae la huella que permanece viva. Arquitectura dignificada que construye un paisaje narrativo entre la representación y la ilusión. Universos de ficción de extraordinaria belleza y capacidad de evocación. Figuras ensimismadas en un momento anterior al caos resueltas en equilibrio inestable, donde lo vulnerable o lo frágil por leve, se rompe.
La visita trata de mostrar cómo el entorno construido descubre las huellas del pasado y de las insinuaciones de un futuro. Igualmente, se busca hacer hincapié en los diferentes modos de habitar que cada sociedad tiene en los distintos lugares del planeta y visibilizar la perversidad de las tramas de poder que fomentan la alienación y explotación de los trabajadores, la injusticia de las relaciones laborales, el desigual reparto de la riqueza,la naturaleza perversa del trabajo y el dinero, y las discriminaciones por motivos raciales.

Con la colaboración de la Asociación Explicarte.

Selecciona una serie de obras que invitan al espectador a reflexionar sobre el propio concepto de la reflexión. Se abordan cuestiones relacionadas con el reflejo, la reflexión, el espacio, la idea o el tiempo.
La reflexión si deriva del vocablo latino reflectio alude a las funciones más altas del espíritu y designa el proceso mismo de pensar detenidamente en algo con la finalidad de sacar conclusiones. Sin embargo, si deriva del latín reflexus alude al reflejo, a la imagen de algo que puede formarse en una superficie brillante y lisa. Pero el reflejo dicho de una cosa también significa dejarse ver en otra, y proyectarse más allá de la apariencia o incluso manifestarse y hacer patente algo que quizá hasta ahora estaba oculto.
La finalidad de la visita dinamizada es adentrar al espectador en la obra, haciéndole partícipe de la misma e invitándole a reflexionar con cada autor a través de su particular forma de cuestionarse la realidad.

Con la colaboración de la Asociación Explicarte.

Esta exposición titulada Palazuelo. Caligrafías musicales pretende acercarse a la obra del artista desde su relación con la música, recorriendo la relación tan íntima que existe entre su obra, el sonido y el silencio. Una relación que se descubre desde las primeras obras realizadas en París, algunas tan evidentes como las escritas Sobre el pentagrama o los conjuntos de signos dispuestos en emocionantes dibujos a modo de Cosas olvidadas. También en sus composiciones posteriores son cuestiones esenciales el ritmo, el tempo, la fuga, la intensidad, los acordes, el timbre o el tono… El punto y la línea se convierten en signos de una forma de notación musical, una caligrafía que puede entenderse como código y lenguaje de un sonido primigenio, de esa música que está en el origen, que es vibración, energía que fluye llenando y coagulando todos los espacios del mundo.
Con esta visita pretendemos contemplar como el lenguaje musical subyace a toda la trayectoria del creador madrileño como un elemento común denominador. Abordamos la cuestión espacial y el rol del color como refuerzo de la materialidad del espacio y como los colores tienen una calidad musical y una belleza que linda con la emoción.

Con la colaboración de la Asociación Explicarte.

La exposición reúne una selección de obras que forman parte de la Colección CAM de Arte Contemporáneo depositada en este museo, gracias al convenio suscrito por el Ayuntamiento de Alicante y la Caja Mediterráneo, por un periodo de cinco años.
Genealogías silenciosas aglutina una serie de obras de artistas como : Isidro Blasco, Toño Barreriro, Txomín Badiola, Pello Iraza, José ramón Amondarain, Daniel Gutiérrez Verbis, Miquel Mont y Manu Muniategiandikoetxea., fuertemente vinculados e influidos por el constructivismo y el minimalismo, que tienen en común el proceso de elaboración en el que destaca el concepto arquitectónico de la construcción y la deconstrucción.
En estas visitas se plantean cuestiones relacionadas con la tridimensionalidad, la superficie, el espacio, la idea o el proceso constructivo. Para ello se ponen en funcionamiento tres estrategias: la observación, el diálogo y la manipulación de materiales , imágenes y objetos muy diversos que complementaban la explicación de algunas de las obras, como por ejemplo una imagen deconstruida del museo y su entorno, obras de artistas constructivistas y minimalistas como Malevich y Mondrian, la Torre Tatlin o la bandera vasca haciendo alusión a los colores más representados en la exposición.

Con la colaboración de Ester G. Guixot

La visita dinamizada de la exposición plantea un recorrido por el arte español del último tercio del siglo XX a partir de las obras de los más reconocidos artistas presentes en la exposición.
Nombres ya clásicos de una estética contemporánea como lo son: Eduardo Arroyo, Miquel Barceló, José Manuel Broto, Luis Gordillo, Cristina Iglesias, Miquel Navarro, Pablo Palazuelo, Soledad Sevilla, José María Sicilia, Daría Urzay, Juan Uslé, Xesús Vázquez y Dario Villalba.

En este recorrido se abordarán el ritmo de las pinceladas, las naturalezas muertas, lo orgánico y el paso del tiempo, el valor cromático de las obras entre otras cuestiones.

Con la colaboración de Ester G. Guixot

Para conmemorar el 40 aniversario de la Inauguración del Museo de La Asegurada se expone la Colección Arte Siglo XX íntegra en el MACA. Son 177 obras de 117 artistas que Eusebio Sempere reunió a lo largo de su vida y donó a la ciudad de Alicante.
Para esta ocasión hemos preparado una serie de visitas y talleres que recorrerán las obras de la colección, legado de Eusebio Sempere, y por tanto patrimonio de la ciudad con el objeetivo de acercar a los alumnos al conocimiento de las distintas manifestaciones artísticas del siglo XX.
Con este proyecto se pretende dar respuesta a los intereses y necesidades de los alumnos y ayudarlos a analizar y comprender las imágenes, educarlos en el gusto estético y en la mirada crítica e iniciarlos en el goce de las obras de arte descubriendo distintos
enfoques de las artes plásticas:
VANGUARDIAS
A principios de S.XX las vanguardias suponen una revolución en las artes pláticas, ya que rompen con la forma de ver y plasmar la realidad y hay una clara hegemonía del inconsciente.
Con este recorrido se pretende reflexionar sobre los conceptos e ideas relacionados con este periodo, dar a conocer las características generales y los rasgos definitorios de los
movimientos más significativos a través de las distintas piezas que no acercan a este momento y así comprender su lenguaje.
CINÉTICOS
En el París de los años 50, las formas geométricas se convierten en protagonistas. El arte cinético rompe con la función estática de la obra y el espacio y el movimiento son los protagonistas.
El objetivo de este recorrido es conocer las obras y los artistas que experimentan con el movimiento, la luz y los reflejos que producen las formas geométricas con los distintos materiales que implican de forma novedosa al espectador. Los alumnos podrán interactuar con algunas de las obras y conseguir distintos efectos ópticos.
LA ABSTRACCION
Expresión artística que prescinde de toda figuración y propone una nueva realidad distinta a la natural usando el lenguaje de la linea, el color y la forma para crear composiciones con independencia de referencias visuales del mundo real.
Con este recorrido proponemos una nueva mirada hacía la realidad basada en las formas y las relaciones libres entre ellas. Y así conocer cómo los artistas que trabajan la abstracción incorporan toda serie de objetos y materiales ajenos a la obra de arte y como
plantean la gestualidad como manera de transmitir emociones.
LA REALIDAD
En la España de los años 60 una serie de artistas toman como referencia el arte pop y crean obras cargadas de ironía que producen una confrontación entre el lenguaje que utilizan y la realidad, con la aparición de imágenes procedentes de la historia del arte, el
cómic y la publicidad.
Este recorrido tiene como objetivo analizar las imágenes representadas en las obras y así comprender la función social del arte y sus diferentes manifestaciones. A través de un lenguaje accesible a todos con la utilización de iconos de la vida cotidiana, produciendo en el espectador una reflexión social o política cargada de significado.

Eusebio Sempere, artista alicantino, nacido en Onil. Su trayectoria artística está basada en la búsqueda de la luz, el movimiento y la geometría. Es el artista anfitrión del museo ya que gracias a su legado se creó el museo de La Asegurada, hoy MACA.
Convertimos a Eusebio Sempere en paradigma del artista viajero. A lo largo de su trayectoria se desplaza a ciudades convertidas en centros de arte mientras se forma como artista. Con su maleta recorremos con él su vida y las principales características de sus obras.
Estampando el óvalo. (Taller)
En este taller se realiza un trabajo de estampación utilizando formas geométricas más pequeñas que permitirán crear una composición mayor a partir de distintos estadios.
El objetivo es trabajar la noción del espacio y el movimiento a través de la creación de una composición geométrica.
Serigrafiando*. (Taller)
Sempere conoció esta técnica en el taller de Wifredo Arcay, en París y fue el introductor de la serigrafía artística en España. Se trata de un taller especializado en esta técnica de estampación donde aprenderán las distintas posibilidades de llevarla a cabo.
*Martes de 10 a 12 h. Un grupo de 25 alumnos. Exclusivamente para 2º ciclo ESO y Bachillerato.