Ganadora del Premio Talía 2024 a mejor intéprete femenina.
Un pasaje donde abrazar las mutaciones y el proceso de cambio. Un lugar intermedio en busca de una nueva versión de uno mismo.

Esta pieza es un manifiesto sobre lo que se construye desde la oscuridad, desde la duda, en la grieta que no enseña sino que sugiere.

Un trabajo que descansa en el lugar de tránsito.

En busca de la belleza que emerge de la aceptación de lo imperfecto, de la asimetría, de lo irregular, y del ruido y tráfico que se deposita en un cuerpo flojo, vulnerable y desestructurado.

La artista

Nacida en Barcelona en 1984. Lorena Noguera se forma como bailarina en el Instituto del Teatro de Barcelona, donde se gradúa en 2005, y en la compañía IT Dansa, donde trabaja el repertorio de coreógrafos de prestigio internacional como Ohad Naharin, Jirí Kilyán, Stijn Celis y Nacho Duato entre otros.

Desde hace mas de 10 años forma parte activa del equipo artístico de La Veronal, trabajando junto a Marcos Morau como asistente en la coreografía y bailarina, trabajando tanto en las coreografías propias de la compañía como en las creaciones externas: The Royal Danish Ballet, Beijing dance Teather, Göteborgsoperans danskompani, National dance compañero Wales, Compañía Nacional de Danza, Scapino Ballet, Carte Blanche, Norrdans, Skanes Dansteater ...

También ha trabajado con otras compañías reconocidas como Gelabert-Azzopardi, Lanònima imperial y Compañía de danza Plan B. Además, como coreógrafa ha creado sus propios trabajos con los que ha obtenido premios en certámenes coreográficos nacionales. Entre los diversos reconocimientos que ha recibido, fue galardonada como mejor intérprete femenina en los Premios de la Crítica de Cataluña 2016.

En 2018, junto a varios compañeros de promoción del Instituto del Teatro, puso en marcha el proyecto denominado HOTEL colectivo escénico. Se trata de una nueva compañía de danza que nace con la voluntad de construir cruces que permitan habitar el imaginario y el mundo de otros artistas. Para ello, invitan a artistas de diferentes disciplinas escénicas crear y dirigirlos. La formación se estrenó en junio de 2018 con dos piezas breves en la Sala Hiroshima.

ELELEI nace en 2019 de la colaboración entre Sabrina Gargano (Barletta, Italia) y Rafa Jagat (Valencia), uniéndoles la idea de poder juntar sus propios recorridos de danza y teatro, para unirlos como lenguaje disciplinar.

Motivados por contar historias, por preguntarse el por qué de las cosas, y por que pudieran ser asimiladas por el público nace en 2020 su primer trabajo A CIEGAS, ganando el primer premio del festival MAIS IMAGINARIUS de Portugal en 2021 y el PREMIO DEL PÚBLICO en el 35 International Choreographic Competition Hannover 2021. Actualmente en gira.

Además de A CIEGAS, en enero de 2021 crean el film de teatro físico MAY YOU LISTEN? perteneciente a la formación de la compañía joven de Jasmin Vardimon JV2 en Inglaterra y estrenado en mayo 2021. En mayo 2022 estrenan MARATHON en Sadlers Wells, Londres, como colaboración nuevamente de la compañía JV2 de Jasmin Vardimon.

SOY MADERA fue estrenada el 26 de mayo 2022 en el festival MAIS IMAGINARIUS de Santa María da Feira, Portugal.

SABRINA GARGANO

Artista de danza independiente. Después de completar el Curso de Desarrollo Profesional Jasmin Vardimon JV2 en 2014, Sabrina actuó en el Reino Unido y en el extranjero. Colaboró con PanicLab Dance Theatre (Reino Unido), Gregory Maqoma para Companhia Instàvel (Portugal), Tom Dale (Reino Unido) Company Idem (Suiza), Ciemulator Dance Theatre (Suiza), Beatrice Allegranti Dance Theatre (Reino Unido), Fuora Dance Project (Reino Unido), Victoria Fox para // Tribe (Reino Unido), Mafalda Deville para Companhia Instavel (Portugal), Becky Namgauds y Jasmin Vardimon (Reino Unido), interpretando el papel
principal de Pinocchio.

También colabora con Verena Schneider, su dúo fue interpretado en Italia, Londres e Irlanda del Norte. Coreografía para la compañía juvenil en The Point, Pera University, Lincoln University. Enseña en Reino Unido y Europa. También es docente de la compañía Jasmin Vardimon y líder del programa para JV2 2019-20 y 2020-21. Dirige y coreografía MAY YOU LISTEN? para la compañía JV2 de Jasmin Vardimon en 2021. Forma parte del elenco de la creación de Jasmin Vardimon ALICE estrenada en agosto 2022.

RAFA JAGAT

Actor, bailarín, director y dramaturgo. Se formó durante cinco años en arte dramático y dos años más en teatro físico. Todo este tiempo de aprendizaje lo combina con clases de diferentes disciplinas dentro del lenguaje del
movimiento. Crea su propia compañía Jagat Mata, con 6 espectáculos de teatro físico desde 2008. Además de todas sus creaciones, baila para la compañía Mey Lin Bisogno durante 4 años, para la compañía de danza Omos Uno otros 4 años y crea un dúo para calle con Candelaria Antelo.

También trabaja con David Zambrano un mes en el proyecto de improvisación “Two songs for two humans”. Es cofundador de EXIN, que organiza talleres relacionados con el movimiento en toda Europa. Da clases para bailarinas y actores en España y Europa. Desde 2020 colabora como director y dramaturgo con compañías de circo en Barcelona como (Som Noise, Encuentros y Papaya).

El trabajo de la distorsión como un modo de afinación de la forma, es ahora el punto de partida del coreógrafo y bailarín Juan Carlos Lérida para esta improvisación site specific. Lérida se introduce en el espacio del Museo para habitarlo y encontrarse con esas formas que, a partir de la luz y de las personas que lo transitan, modifican la percepción y la emoción.

Juan Carlos Lérida es bailarín, coreógrafo y pedagogo del flamenco, Premio Extraordinario 2007 del Institut del Teatre de Barcelona. Desde el año 2002 es profesor de Flamenco, Danza contemporánea y Composición del Institut del Teatre. Ha dirigido espectáculos para Belén Maya, Marco Flores entre otros.
También ha creado diferentes piezas en solitario como “El Arte de la guerra” o la trilogía sobre los cuerpos del flamenco. Comisarió el ciclo Flamenco Empírico del Mercat de les Flors y actualmente es comisario del festival flamenco Tanzhaus ( Dusseldorf). Se le reconoce como uno de los representantes actuales del flamenco de vanguardia. Su última creación: La liturgia de las Horas (Mercat de les Flors, 2021) ha sido premiada como mejor espectáculo y mejor bailarín en los premios de la crítica (recomana.cat) del 2022. Acaba de editar el libro “El Método Flamenco Empírico”.

Ficha artística:
Interpretación y dirección: Juan Carlos Lérida

El Festival Abril en Danza vuelve a contar con el programa “MACA EN VIVO” que celebra su tercera edición. Programación expandida realizada desde la dirección de Abril en Danza en colaboración con el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA) y el Consorcio de Museos. Una dilatada propuesta de varias intervenciones relacionadas con la danza, la performance y las artes vivas que arranca el 26 de abril con Sharon Fridman, premio Max 2019, que está incluida dentro de la programación del Festival y continuaremos hasta octubre con el estreno de Elias Aguirre (Mayo), Juan Carlos Lérida (Junio), Daniel Abreu (Septiembre) y la Compañía Elelei (Octubre).

De lo alto de altos edificios 

Poema coreográfico (Danza contemporánea) que se inspira en los poemas homónimos sobre los 2 grandes enigmas universales, atemporales e intergeneracionales, el amor y la muerte, escritos por el propio Billy Cowie e interpretados virtuosamente por Luciana Croatto en un universo de movimientos, estructuras coreográficas y ritmos impropios de los tiempos del hipercapitalismo actual. La música se ha creado especialmente para la obra.
De Lo Alto de Altos Edificios es un solo de danza de treinta minutos en torno a los dos grandes temas, el Amor y la Muerte. En cuanto a la cuestión del amor, tenemos un escenario atemporal, el enigma del amor, ¿por qué nos enamoramos y desenamoramos?, ¿qué ocurre con el amor no correspondido?... Con respecto a la muerte, nos enfrentamos al enigma de lo que sucede después (si ocurre algo) y cómo le damos sentido a la vida mientras nos enfrentamos continuamente a esta inevitabilidad. En De lo alto de altos edificios, las preguntas sobre estos temas se articulan a través de varios textos poéticos, de la música y de la danza.
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Coreografia: Billy Cowie.
Bailarina / Interprete: Luciana Croatto. 
Composición musical: Billy Cowie.
 Voz en off: Clara García Fraile.
Textos: Billy Cowie. 
Iluminación: Rodrigo Ortega Portillo.
Director de producción: Samuel Retortillo.
Productora: Madrugada producciones.
Co-producción: Centro Coreografico de La Rioja.
Ayudas de investigación: Festival Internacional de Cine, Danza y Nuevos Medios, FIVER.
 Ayudas de Creación: Gobierno de La Rioja

Sol Picó nos propone una charla íntima, como si nos hablara desde el sofá de su casa, sobre sus 20 años de profesión: miedos, dudas, fracasos inconfesables, sueños no realizados...por dentro va la procesión...

Nos revelará como y cuando llega la inspiración y qué ocurre si esta no llega.

Nos refresca la memoria a través de sugerentes imágenes de sus inicios y nos explica lo que representa para ella una vida dedicada a la danza en cuerpo y alma: ser mujer, madre y artista, un cocktail explosivo difícil de evitar que explote en las manos.

Sacrificio y diversión acompañada de un equipo excepcional durante 20 años, que la han llevado a viajar por más de 30 países y a experimentar cómo se recibe su danza mediterránea en Beijing, Kinshasa o Paris.

Ella hablará y nos hará preguntas porque le interesa mucho lo que pensamos nosotros, los espectadores de este mundo...¿estás preparado?

Sol Picó es una bailarina y coreógrafa española. Nacida en Alcoy, ha estudiado danza española, clásica y contemporánea y en sus producciones combina diferentes técnicas y lenguajes de forma rompedora. En 1993 crea la Compañía Sol Picó con la que se ha convertido en una de las coreógrafas y bailarinas más heterodoxas de la escena contemporánea española. Ha sido galardonada con numerosos premios. En su palmarés tiene más de 10 premios Max, el premio Nacional de Danza de Cataluña (2004), el premio Ciudad de Barcelona de Danza (2015), el Premio Nacional de Danza 2016 y la Cruz de Sant Jordi.

Tenaz y arriesgada, Sol Picó desarrolla un movimiento 100x100 personal basado en la precisión, velocidad, vitalidad y potencia. Sus espectáculos –maduros, imaginativos y siempre controvertidos– remueven al público y no le deja indiferente. La calidad de sus propuestas y el humor y el diálogo con los espectadores son la esencia de la obra de esta desafiante y emprendedora coreógrafa. A lo largo de su carrera ha estrenado más de 30 espectáculos, donde se combina el teatro de sala con grandes producciones de calle que ha presentado en todo el mundo, visitando más de 40 países. Algunas de sus piezas más emblemáticas son Bésame el Cactus, Paella Mixta, Amor Diesel, El lago de las moscas, Sirena en la Plancha, One-hit wonders, Dancing with frogs, We Women o Malditas Plumas. La faceta creativa se nutre también de la pedagógica, impartiendo talleres en sitios como la Universidad Carlos III, la Academia Nacional de Danza de Roma o conservatorios superiores de Danza.

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Gelabert, ha seleccionado alguno de sus solos preferidos, presentados, a lo largo de los años, en teatros de muchos lugares del mundo y adecuados para las características del lugar y la ocasión. En ellos, introduce las diferentes piezas con breves comentarios, ya sean referencias de la obra o personales, explicaciones sobre su significado o ideas generales sobre la danza, anécdotas o comentarios del momento.

Es una manera de comunicarse con los espectadores e introducirles las obras que van a ver, y he podido comprobar que ayuda establecer una complicidad y un ambiente distendido y sugerente.

Este año celebramos 11 años desde el arranque del Festival Abril en Danza. En esta nueva edición vamos a dar voz y protagonismo a artistas de diversas generaciones. Nos parece urgente que artistas y Compañías emergentes empiecen a encontrar su lugar, pero sin perder la experiencia y la sabiduría acumulada de nuestros referentes. Vincular la creación más joven con proyectos que se han mantenido en el tiempo a lo largo de los años, cuestión que sabemos muy complicada en este País, es fundamental para el desarrollo, el respeto y la consolidación de nuestra profesión.
Por todo ello hemos buscado un abanico de propuestas y lenguajes del cuerpo, desarrollados desde distintas visiones y por artistas de diversas generaciones. Artistas de todas las edades que harán un recorrido por la danza durante todo el mes de Abril en las ciudades de Alicante y Elche. Una pluralidad de universos y poéticas visuales, dónde se suma la mirada de jóvenes emergentes, que nos llevan a lo más actual de la creación, junto a las piezas de artistas en periodo de madurez, donde la maestría y el recorrido profesional les aporta un carácter y estilo  propio ya establecido.

El Festival vuelve a contar con el programa "MACA EN VIVO" que celebra su segunda edición. Programación expandida en colaboración con el MACA y el Consorcio de Museos. Una dilatada propuesta de varias intervenciones relacionadas con la performance y las artes vivas que arranca en abril con Janet Novas, premio ojo crítico 2021, que estará programada en Abril.

Visita con vermú guiada por Explicarte.

Tradicionalmente, se ha considerado a la mujer como un ciudadano de segunda clase en el mundo de la cultura. Esta posición se basaba en una estadística apoyada en un número, muy limitado, de mujeres que habían destacado en el ámbito de la literatura, el pensamiento y en la artes plásticas. Esta idea se desmorona ante una simple consideración, y es las reducidas oportunidades de poder desarrollar sus talentos personales que tenían.

En esta ocasión, nos centraremos en la figura de Juana Francés, protagonista de nuestra exposición temporal.

Open Body Talks.
Un proyecto que se asienta desde la convicción de que estamos en el momento de volver a encontrarnos, de sanar tras un periodo tan largo de distanciamiento. Queremos aglutinar los cuerpos, volver a sentir la confianza del contacto social, dar rienda suelta a la expresión corporal al ritmo de la música.

Hasta completar aforo.
Compañía: Elías Aguirre y Jorge da Rocha.
Coordina: Otra danza.