La Asamblea General de Naciones Unidas, mediante la resolución 78/282, adoptada el 23 de mayo de 2024, declaró el 11 de julio como Día Internacional de Recuerdo del Genocidio de Srebrenica subrayando la importancia de la memoria y la educación como herramientas para generar conciencia, combatir la negación de esta tragedia y evitar que crímenes de esta naturaleza puedan volver a repetirse. 

En torno a esa fecha, el Museum of Contemporary Art Ars Aevi de Sarajevo propone a museos de todo el mundo participar en esta conmemoración con la exposición de la fotografía Madre de Srebrenica, del artista Almin Zrno tomada en 2001. Se trata de una imagen de gran fuerza simbólica, que condensa el silencio, el duelo y la dignidad; una obra que convoca a la introspección y a la compasión, y que da testimonio de horrores que exceden el lenguaje, convirtiéndose en símbolo del dolor.

La exposición de esta fotografía junto al óleo Montserrat criant n.º 2, del artista Julio González pintado entre 1936-1940, evidencia una sorprendente afinidad entre ambas composiciones. Julio González, a través de la figura de una campesina catalana, a la que llamó Montserrat, representa el sufrimiento de la población civil durante la guerra civil española.

Las dos imágenes comparten una misma fuerza expresiva: casi una misma mujer, madre universal, con un pañuelo anudado bajo la barbilla; la boca abierta o cerrada en un grito sordo; los ojos cerrados; el rostro surcado por arrugas profundas que registran el dolor extremo. El grito no se oye, pero se intuye con claridad. Las dos obras fueron concebidas en un mismo contexto de guerra, con varias décadas de diferencia, otorgando al arte no solo la posibilidad del disfrute estético, sino la de actuar como testimonio y como acto de resistencia frente al olvido. 
 

La exposición ha sido ampliada hasta el 10 de enero de 2027.

Del color en el arte (Coloramas) tiene su origen en “Lo tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto”, muestra celebrada en la Fundación Juan March de Madrid en 2025 y es resultado de la colaboración y apoyo entre ambas instituciones. Todas las obras de arte pertenecen a las colecciones del MACA y recorren 75 años, desde 1949 hasta 2025. La selección de artistas, estilos, técnicas y materiales refleja tanto la complejidad de los lenguajes contemporáneos como la riqueza y variedad de las colecciones de este museo, tanto en propiedad como en depósito.

Junto a las obras, la muestra ofrece dos espacios singulares. El primero, antes de entrar en la sala, es un pequeño gabinete de curiosidades donde descubrir el origen del color a través de minerales, plantas tintóreas, pigmentos, tintes naturales y sus aplicaciones en textiles. Se suman a ello muestras de pigmentos sintéticos e industriales, testimonios de invenciones —como la patente del color en tubos—, y también documentos que apuntan a la impregnación ideológica, política y social del color. Los materiales que se muestran en este gabinete son fruto de la colaboración con la Real Fábrica de Tapices Santa Bárbara de Madrid y a la generosidad de Ana Roquero, experta en tintes y coleccionista de estas pequeñas joyas.

Tras la sala blanca donde se muestran las obras y separado visualmente de ella se encuentra Coloramas. Una experiencia expansiva en un espacio que recuerda los antiguos diaporamas, las cámaras oscuras o los zoótropos, y en el que un relato audiovisual narra la fascinante historia del color y su progresión, primero gradual y después de ruptura, hacia la autonomía. Coloramas se despliega en escenas que exploran el color como fenómeno físico, construcción perceptiva y lenguaje simbólico.

Además, la muestra cuenta con un espacio educativo, mezcla de reflexión y juego, “Umbral cromático”, donde experimentar con la mezcla de colores por medio de los dos sistemas que se conocen, por sustracción o por adición en función de la luz o la ausencia de ella.

En la historia del arte, la importancia del color ha sido discutida e impugnada con frecuencia. Fue la aparición del arte abstracto a principios del siglo XX la que liberó el color de los dictados de la representación y de la primacía de la línea. Por primera vez, el color pudo existir por su propia presencia en la obra, sin estar sujeto a modelos narrativos ni a otros elementos de valor gráfico: dejó de ser adjetivo para convertirse en sustantivo. Esta exposición es una buena muestra de ello.

Esta es una selección de obra gráfica que investiga la composición geométrica. Desde lo cinético a lo constructivo. Desde el rigor de la línea a la investigación de la forma. Artistas imprescindibles, recorriendo los sugerentes territorios del entramado artístico del siglo XX. Las primeras obras se sitúan en el París de los años 50 donde las formas geométricas se convierten en protagonistas de un arte con apariencia industrial preocupado por la investigación sobre la luz, los efectos ópticos y el movimiento: es el op art o el arte cinético. Obras de arte abiertas, ni únicas ni definitivas, que implican de forma novedosa al espectador.

Del mismo modo, dentro de una tendencia racionalista, concreta y normativa, una serie de artistas tanto en España como en Europa y América experimentan en torno al constructivismo. Profundamente reflexivas, sus obras siempre construidas con formas y volúmenes esenciales dialogan una y otra vez sobre el espacio, el movimiento y el equilibrio. Atendiendo a la interacción del color o a su ausencia. La geometría es una actitud ante la vida: el análisis riguroso de la forma y la búsqueda de la esencia en las composiciones permiten construir una imagen objetiva del mundo que, sin embargo, nunca está exenta de poesía.

Las obras pertenecen fundamentalmente a la Colección Arte Siglo XX en diálogo con obras de la Colección Michael Jenkins y Javier Romero también del MACA así como otras obras en depósito en este museo, profundizando así en la tendencia racionalista del propio Sempere siempre con el rigor de su obra como propósito y como línea de investigación esencial.

Soledad Sevilla [Esperando a Sempere] es una exposición especial en la trayectoria de la artista: un proyecto que cierra un círculo vital y creativo y que, al mismo tiempo, resulta imprescindible para el MACA, museo cuyos orígenes están íntimamente ligados a la colección del artista alicantino Eusebio Sempere.
 

Sevilla y Sempere se conocieron en la década de 1960. Entre ambos surgió una admiración mutua y “una profunda y entrañable amistad”, al tiempo que coincidían en algunos de los proyectos más relevantes en torno a la abstracción geométrica del contexto artístico español. Un interés común por la línea, una práctica rigurosa de la composición y una deriva hacia lo sensitivo —hacia una geometría más blanda y emotiva— conectan la obra de Sempere y Sevilla. Esta afinidad poética con el artista alicantino atraviesa toda la carrera de Sevilla: desde los inicios hasta su producción más reciente, como las series pintadas desde el verano de 2022 concebidas como inspiración y homenaje a su amigo. Sevilla encuentra en la luz y la línea, como Sempere, una conmoción sensible, una quietud rigurosa y deliberada.
 

Partiendo de las piezas de los años 70 que conservamos en las colecciones del museo, la exposición centra su atención en las series más recientes de la artista. Son pinturas de gran formato en las que la vibración de la línea, como filamento o hilo, genera superficies que se expanden y se recomponen continuamente. Estas obras envuelven al espectador e invitan a experimentar la pintura no solo desde la mirada, sino también de forma performativa, desde el cuerpo que comparte el espacio con ella. La contemplación se convierte así, en una experiencia física que desata emociones íntimas. Sevilla consigue evidenciar el espacio total como una unidad y, dentro de él, desplegar una amplia gama de registros y sutiles variaciones. La geometría, lejos de ser fría o distante, adquiere aquí un carácter íntimo e introspectivo.
 

Artista rigurosa y disciplinada, Sevilla trabaja guiada por la intuición… Como ella misma afirma sus tramas son “fondo para el pensamiento y el arte pasa por encima como una especie de reflejo”. Lo describe perfectamente el propio Sempere: “¿Para qué hablar de pintura si ustedes la están viendo?”

No es que la ficción y la realidad sean términos contrapuestos, sino que la ficción es un modo, un instrumento para articular un determinado modelo de lo real, reflexiona Joan Fontcuberta.

Ficción que nos propone Fontcuberta enfrentada a la realidad que construye García Alix. Memoria y ambigüedad que están presentes en la obra de estos dos artistas tan dispares, tan opuestos en su modo de entender la fotografía que parecen alcanzar las mismas cotas de veracidad y mentira. Un valor documental que se otorga a las imá-genes que conforman este pequeño conjunto salido de la noche.

La fotografía en blanco y negro es una técnica clásica pero tan difícil que solo se descubre a través de los grandes fotógrafos. No en vano fueron premiados con el Premio Nacional de Fotografía de 1998 y 1999.

En esta primera mitad del siglo 21 no hay una historia cerrada, quizás porque la historia es una forma de estructurar el presente en función del pasado y de ese futuro del que somos partícipes. Por este motivo en esta muestra hemos hecho una pequeña selección de los artistas más consolidados de España y Portugal, hasta los más jóvenes que conviven en nuestra institución y que se exhiben en esta exposición .

La Colección Fundación Coca-Cola reúne una enorme pluralidad de artistas de diferentes tendencias, edades y estilos que se expresan a través de técnicas, medios y soportes tecnológicos muy diversos. Los artistas narran, cuestionan y reflejan los tiempos que les ha tocado vivir, abordan la realidad, sus mundos personales y sus microcosmos. Esta Colección es un ejemplo de la diversidad de la creación de España y Portugal y se constituyó desde sus comienzos como un proyecto abierto que plantease un diálogo constante con el arte de nuestros días y asumiera a través de sus adquisiciones la continua expansión de la creación contemporánea. 

En esta exposición se ha querido ofrecer una variedad de lenguajes que conviven en esta Colección y es tan solo superada por la calidad y proyección de los artistas que la integran y que son cómplices de nuestra manera de entender el arte. A través de sus obras generan un diálogo enriquecedor con el espectador y nos invitan a  reflexionar. Es el desafío de una inquietud creadora que nos abre nuevas posibilidades a la hora de enfrentarnos a trazar una semblanza del futuro,  y aquí reside su complicidad, en esas historias que son capaces de construir. 

Luis Pérez Mínguez fotógrafo y amigo de Eusebio Sempere que retrató una época y con el que el museo ha mantenido una estrecha relación. Fruto de ella son estas fotografías de Sempere en el programa Trazos en 1977, que nos llegaron en un sobre muy personal de Luis Pérez Mínguez.

Televisión Española comenzó a emitir en abril de 1977 el programa Trazos donde Paloma Chamorro ejercía de directora adjunta con Ramón G. Redondo, para pasar posteriormente a la dirección del mismo, hasta junio de 1978 en que finalizó la emisión del programa. Fue un programa de actualidad artística. Trazos comenzó emitiéndose en blanco y negro porque sus directores consideraban que así no se distorsionaba el color de los cuadros. Sin embargo, por imperativo de la dirección de la cadena estatal y pública, el programa comenzó a emitirse en color a partir de noviembre de 1977 lo que obligó a la realización de un decorado. Para ello, y muy ingeniosamente Paloma Chamorro, invitó a once pintores, cada uno de los cuales realizó un panel de aproximadamente 250 x 180 centímetros. José Manuel Broto, Gerardo Delgado, Carlos Franco, Luis Gordillo, José Guerrero, Guillermo Pérez Villalta, Manolo Quejido, Gerardo Rueda, Eusebio Sempere, Gonzalo Tena y Jorge Teixidor pintaron en directo bajo la atenta cámara del fotógrafo de toda una época.

Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985) y su compañero Abel Martín (Mosqueruela, Teruel, 1931-Madrid, 1993) aprendieron la técnica de serigrafía en París, en el taller del artista cubano Wifredo Arcay. A su vuelta en 1960, ya en Madrid, ambos instalaron un taller para estampar las primeras serigrafías artísticas en España. Un complejo libro de Lucio Muñoz con texturas con arenas atrajo, por su perfección, encargos de otros artistas. Desde mediados de los 60 fue Abel quien se encargó íntegramente del proceso técnico y se convirtió en un experto serígrafo, figura clave en la reproducción y difusión del arte contemporáneo. 
 

La profunda convicción de que la obra gráfica merecía status de obra original, que ponía el arte contemporáneo al alcance de una gran mayoría de público convirtiéndolo en fenómeno de masas, y el respeto y entusiasmo que ambos profesan por la obra gráfica, repercute en su propia producción artística. Sempere realiza dos centenares de serigrafías todas estampadas por Abel Martín, agrupadas en series, editadas en carpetas o sueltas y algunas de ellas con acompañamiento de textos literarios, un alarde de técnica y oficio. 

Pablo Picasso recorre casi un siglo de arte y a su lado, una serie imprescindible de artistas transforman radicalmente la historia del arte mientras desdibujan las fronteras entre la figuración y la abstracción. Muchos de ellos están aquí representados.

La Colección Arte Siglo XX guarda entre sus fondos una gran cantidad de obras sobre papel entre dibujos, grabados, litografías y serigrafías que completan una extensa nómina de artistas imprescindibles, recorriendo los territorios más sugerentes del entramado artístico del siglo pasado. 
Y es así porque Eusebio Sempere y su compañero Abel Martín, después de experimentar en París variadas técnicas de impresión, introducen en España la serigrafía artística realizando bellísimas estampaciones de sus propias obras y de sus amigos artistas. Y están profundamente convencidos de que la obra gráfica merece el status de «original» y de que sitúa el arte contemporáneo al alcance de una mayoría de público, democratizándolo.

Con esa convicción estética y política, Sempere admiró siempre la figura de Pablo Picasso. Adquirió el grabado de Picasso perteneciente a la Suite Vollard, Fernando Zóbel le regaló el Retrato de Rimbaud y compró El Entierro del Conde de Orgaz, obras que aquí se muestran. De la misma manera que participó en el Homenaje a Picasso que tuvo lugar en la celebración del 90 cumpleaños del artista en noviembre de 1971, sufriendo por ello detención, encarcelamiento y una cuantiosa multa económica.