Desde 2017 la Conselleria de Educació, Cultura i Esport mantiene una línea de adquisición de obras de arte con el doble propósito de dinamizar el mercado artístico contemporáneo, a la vez que reunir una colección de obras representativas de la actualidad artística en nuestra Comunitat. Distintas generaciones y sensibilidades que abordan el proceso de creación artística ofreciendo nuevas perspectivas sobre nuestro mundo más cercano.

Una muestra de tres piezas de tres artistas: Paloma Navares, Teresa Lanceta y Amparo Tormo se pueden disfrutar en el MACA.

La noche más corta es una exposición colectiva, que surge como propuesta colaborativa entre ambas galerías y el museo, abriendo un diálogo en torno a la idea de transformación en los procesos creativos, artísticos y vitales.

Como un esfuerzo por dinamizar nuevas formas de producción y exposición del arte, la muestra se realiza de manera transversal y concomitante entre las tres sedes de las galerías en Madrid y Alicante y el MACA, con obras expuestas de manera orgánica entre ellas, tomando criterios conceptuales y estéticos por encima de la representación de las galerías como un ejercicio real de sinergia institucional.

La noche más corta profundiza sobre la transformación como un proceso de resignificación que promueve la regeneración, transmutación cambio y renovación, considerando los duros tempos que corren y tratando de referencia a las tradiciones de San Juan, tiempo en el que tiene lugar un cambio de estación cuya tradición consiste en dar paso a lo nuevo, renovado y transformado.

El Museo de Arte Contemporáneo de Alicante presenta en esta exposición dos obras de Eulàlia Valldosera: La Caída. Salir de las llamas para caer en las brasas de 1996 y Lazos familiares de 2012. 

La Caída es una obra fundamental en la trayectoria de la artista, una instalación compleja y enigmática que habla de un accidente emocional, una bajada a los infiernos, la imposibilidad de salir de una situación aun intentando comportamientos distintos. El cuestionamiento mismo de una pareja en su entorno doméstico, una historia carente de narración que se despliega en el espacio donde el espectador se encuentra atrapado como testigo y artífice del problema. 

Lazos familiares es una serie de fotografías de la intimidad y pone en evidencia las relaciones sentimentales visibles y ocultas que los miembros de cada familia sufren, gozan o padecen. Implicaciones complejas e inevitables que redefinen el modelo mismo de familia en continua transformación. Amor, protección o cuidado mutuo se tiñe de odio, ausencia, celos o abuso en un laberinto emocional muy fragmentado.

En ambas obras, el drama está a la vista. Recuperado. Los hechos no se relatan, sino que se representan. Por medio de la realidad y de su sombra, de la proyección de la luz y del movimiento. Con una mirada propia, Valldosera recrea escenas dramatizadas que reflejan simultáneamente la presencia y la ausencia, la memoria y el deseo, donde la sombra evoca una búsqueda interior que remite al mundo del subconsciente, no solo como espectro de un pasado no resuelto, sino también como una forma auténtica de la realidad. 

Juana Concepción Francés de la Campa (Alicante, 1924 - Madrid, 1990) es una de las artistas más contundentes del panorama artístico español de la segunda mitad del siglo XX, pionera del informalismo abstracto y única mujer del emblemático Grupo El Paso. Expuso en eventos artísticos internacionales tan importantes como las tres Bienales Hispanoamericanas, la Bienal de Venecia, hasta en cinco ediciones, o la de São Paulo. Expuso en colectivas junto a compañeros de generación en el Museo Guggenheim de Nueva York o en la Tate Gallery de Londres y en destacadas muestras individuales en instituciones de España, Francia o Portugal, entre otros lugares. Fue reconocida por la crítica desde su etapa inicial figurativa hasta el final de su trayectoria, pero ha sido olvidada por la historiografía del arte. En los últimos años su figura se ha reivindicado con fuerza, afirmando su calidad y pertinencia y en el MACA hemos profundizado en sendas exposiciones sobre sus pinturas abstractas. 
 

Ahora proponemos revisar los orígenes de su pintura: los años de formación, su etapa figurativa más simbolista y su transición personal antes de lanzarse a la aventura generacional del arte abstracto. Es la etapa menos conocida: pinturas donde la figuración de influencia italianizante se mueve entre el simbolismo contenido y el surrealismo de raíz metafísica con figuras rotundas y voluminosas de corte geométrico. Entre los temas que presenta hay maternidades, retratos de niños y mujeres, familias y enigmáticos bodegones así como escenas alegóricas que presentan un aire de misticismo intrigante y que encierran una espiritualidad que veremos aflorar en etapas posteriores. A nivel técnico, Francés trabaja de forma innovadora para conseguir determinadas texturas y empastes con la técnica de la encáustica donde mezcla cera, resina y disolvente sobre un soporte rígido, superponiendo distintas capas de pintura para “herirlas” después con un clavo. Una voluntad experimental que permanecerá intacta a lo largo de toda su trayectoria, marcando su fuerte personalidad plástica. 
 

Juana Francés es la más destacada de un grupo de mujeres artistas que comenzó a exponer en los años 50 del pasado siglo y cuya obstinación profesional desafió a la sociedad de su tiempo: un sistema excluyente, que relegaba a la mujer a la esfera doméstica o a papeles decorativos en la cultura. Frente a un entorno hostil, normativo y rígido creado por la ideología social del franquismo, Juana Francés logró estar atenta a las preocupaciones plásticas y formar parte activa de una generación de artistas que revolucionaron el arte de su tiempo. Su trayectoria permite hoy repensar el papel de las mujeres en la historia del arte, así como la compleja relación entre modernidad estética y compromiso social.
 

Obertura. Más allá de los mapas es el título de la primera exposición de la Colección Michael Jenkins y Javier Romero en el MACA. Incluye cuarenta y nueve artistas de diferentes generaciones y nacionalidades de entre los ciento sesenta y dos que integran la colección, con trabajos que abarcan desde finales de los sesenta hasta la actualidad, buscando un equilibrio entre figuras históricas o artistas de larga trayectoria y artistas más jóvenes. 

Obertura porque da inicio y sirve de introducción a una colección más extensa que intenta eliminar no solo las jerarquías geográficas, si no también jerarquías de disciplinas y medios artísticos, de fronteras generacionales, de género o identidad, de trabajo individual o en grupo, o jerarquías que puedan aplicarse a la diversidad de planteamientos formales o conceptuales en el arte para ofrecer una visión que va más allá de los mapas, más allá de cualquier tipo de frontera artística preestablecida y hermética. Abriendo la mirada.

La selección propuesta refleja la variedad de temáticas y narraciones que los artistas han venido explorando en el contexto social y político, con el fin de estimular el pensamiento crítico y ofrecer una imagen más nítida y fiel de la realidad. Queríamos resaltar también la elevada presencia de artistas mujeres en la colección y constituyen la mitad de los artistas incluidos en esta presentación. También hemos seleccionado varios artistas de color entre el destacado grupo cuyos trabajos se hallan representados en la colección. Por último, era importante destacar la presencia de artistas alicantinos, para lo cual se ha incluido el trabajo de diez de ellos con el fin de crear una lectura que aspirando a lo global entiende como fundamental lo local, lo más próximo.

Así, tratando de eliminar fronteras cronológicas y territoriales, proponemos que en esta primera instalación convivan artistas de generaciones y marcos geográficos distintos y que se construyan diálogos cruzados entre las obras seleccionadas. Sirva de presentación.
 

Vásárhelyi Győző, nombre real del artista (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 – Annet-sur-Marne, Francia, 15 de marzo de 1997). Estudió medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la enseñanza del Bauhaus en Budapest. Se traslada a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art.

Trabajó en publicidad y decoración hasta 1940. Realizó la primera exposición en la galería de Denise René, a la que permanecería siempre unido. Su obra se basa en la abstracción geométrica y en la interacción de los colores para dar sensación de movimiento y fue el máximo representante del op-art.

En 1955 publica su Manifiesto amarillo, una teoría sobre la plástica bidimensional y el arte cinético. Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abtracto geométrico, utilizando diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos.

Esta pieza, propiedad de la Diputación Provincial de Alicante, prorroga su estancia en el MACA formando parte, como pieza invitada, del espacio cinético de la Colección Arte Siglo XX, donde se expone otra obra de este artista húngaro: «Kroa B», 1971 (escultura en metal anodizado y policromado).

La sensación de movimiento es el elemento común de las obras que componen esta Sala. La relación mutua, física y emotiva que se establece entre el espectador y la obra, es un mouvement émouvant [movimiento emocionante], como lo describe Vasarely en 1955: las obras son cuerpos vivos que se reflejan en el cuerpo en movimiento del espectador y entran en relación con él, lo convierten en partícipe
Vásárhelyi Győző, nombre real del artista (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 – Annet-sur-Marne, Francia, 15 de marzo de 1997) Estudió medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la enseñanza del Bauhaus en Budapest. Se traslada a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art.

Trabajando en la publicidad y la decoración hasta 1940 realizó la primera exposición en la galería de Denise René, a la que permanecería siempre asociado. Su obra se basa en la abstracción geométrica y en la interacción de los colores para dar sensación de movimiento y es el máximo representante del op-art. En 1955 publicó su Manifiesto amarillo, una teoría sobre la plástica bidimensional y el arte cinético. Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abtracto geométrico, utilizando diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos.

El museo Vasarely en Hungría contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor de obras de ese mismo estilo.

Si la idea de la obra plástica residía hasta ahora en una gestión artesanal y en el mito de la «obra única», ahora se encuentra en la concepción de una posibilidad de RECREACIÓN, de MULTIPLICACIÓN y de EXPANSIÓN. •

¿La inmensa difusión de la obra literaria o musical se ejerce en detrimento de su unicidad y de su calidad? • La majestuosa cadena de la imagen fija en dos dimensiones va de Lascaux a los abstractos… el futuro nos reserva la felicidad de una nueva belleza plástica, en movimiento y emocionante.

Las cinco fotografías de Henri Cartier Bresson que aquí se muestran pertenecen a la Colección Per Amor a l’Art – Fundació Per Amor a l’Art de Valencia. Estas piezas invitadas en el MACA forman parte del proyecto expositivo Vulnerabilidad(es), realizado en colaboración con Bombas Gens Centre d’Art y el Museo de la Universidad de Alicante.

La vulnerabilidad es una realidad compleja que ha adquirido notable protagonismo en los últimos tiempos a raíz de fenómenos como la desigualdad social, los efectos del cambio climático, la violencia de género, los movimientos migratorios o la reciente pandemia Covid. La reflexión teórica sobre la vulnerabilidad del ser humano no es reciente; sin embargo, la urgencia de respuestas al momento que vivimos, tan comprometido en muchos aspectos, ha validado su actualidad.
De manera inmediata asociamos el concepto de vulnerabilidad con el de fragilidad. Ser vulnerable es ser un sujeto frágil. A menudo trasladamos esta condición sobre otros en razón de su género, su cuerpo o su posición social pero eludimos el pensamiento de que dicho estado es constitutivo de nuestra propia experiencia y, por tanto, consustancial a la naturaleza humana. La pensadora feminista Judith Butler ha propuesto repensar la vulnerabilidad como medio para alumbrar otros modelos de vida en común, basados en el reconocimiento de la interdependencia entre sujetos y en la necesidad de los cuidados. Por tanto, la vulnerabilidad no es motivo de inacción o sometimiento sino una oportunidad de emancipación social y resistencia política.
Con este espíritu surge la exposición Vulnerabilidad(es): como un acercamiento a las experiencias de la fragilidad desde las prácticas artísticas que incite a comprendernos como seres vulnerables –tanto en las aristas sociales como individuales– pero capaces de actuar de forma colectiva para construir nuevas formas de relación entre nosotros y de nosotros con la naturaleza.

Henri Cartier Bresson (1908-2004) es uno de los nombres fundamentales de la historia de la fotografía del último siglo. Fue pionero del periodismo moderno, impulsor de la agencia Magnum Photos y creador del concepto del instante decisivo: la sensación de hacer coincidir el ojo, la cabeza y el corazón en un gesto concentrado que permite captar la realidad por sorpresa.
Nacido en Francia, quiso dedicarse a la pintura y comenzó a frecuentar a los artistas, sobre todo los surrealistas, que marcaron decisivamente su mirada casi pictórica que plasmará en imágenes lejos de lo anecdótico y lo más cerca posible de la íntima verdad de la gente. Siempre usó el blanco y negro y fue enemigo del color y del uso del flash.
De fuertes convicciones políticas, anticolonialista y republicano, su compromiso le situó en los escenarios revolucionarios más icónicos convirtiéndole en un impenitente viajero. En los años 30 recorrió varias ciudades españolas, entre ellas Alicante, donde captó con su cámara lúcida, estas famosas imágenes.

Obras:

Henri Cartier Bresson
Alicante, Spain, 1933
Fotografía a las sales de plata
Colección Per Amor a l’Art, Valencia.

Henri Cartier Bresson
Alicante, Spain, 1934
Fotografía a las sales de plata
Colección Per Amor a l’Art, Valencia.

Henri Cartier Bresson
Madrid, Spain, 1933
Fotografía a las sales de plata
Colección Per Amor a l’Art, Valencia.

Henri Cartier Bresson
Madrid, Spain, 1933
Fotografía a las sales de plata
Colección Per Amor a l’Art, Valencia.

Henri Cartier Bresson
Flooding, Spain, 1933
Fotografía a las sales de plata
Colección Per Amor a l’Art, Valencia.

Con este programa de exposiciones La pieza invitada, el MACA pretende acercar al público obras temporalmente cedidas por otras instituciones que en el Museo adquieren un nuevo significado al ser presentadas como una exposición de una sola obra en relación con el contexto de la colección permanente. La Colección Arte Siglo XX permite un programa enriquecedor de invitaciones. Obras concretas que, en diálogo, discusión, contigüidad o contradicción, se muestran inmersas dentro del contexto expositivo del museo. En esta ocasión hemos invitado a compartir espacio a la Colección Martínez Guerricabeitia con una obra espléndida del artista valenciano Juan Genovés. JUAN GENOVÉS

Relato, 1968
Acrílico y óleo sobre lienzo
180 x 170 cm.
Firmado y fechado al dorso
COLECCIÓN MARTÍNEZ GUERRICABEITIA
Universitat de València

Relato obtuvo uno de los prestigiosos premios Marzotto en 1968. Presenta nítidamente los hallazgos que suscitaron el interés internacional por su pintura: la figuración como manera de trasmitir sin ambigüedades semánticas un hecho. La incorporación del espacio plano y, por fin, el eminente carácter narrativo, secuenciado y modular de la representación. El motivo central del cuadro está enmarcado por dos amplias franjas rojas horizontales realizadas con aerógrafo a modo de pantalla que marca una distancia entre el espectador y la escena. Una vibración en rojo turbio refuerza la conciencia del drama que sucede. La zona central está ocupada por una secuencia dividida en cinco imágenes reiteradas, a modo de fotogramas cinematográficos que se muestran poco definidas, en la grisalla con que se perciben los seres a mucha distancia. Los recursos empleados por Genovés: el tamaño reducido de las figuras, el punto de vista, el contraste cromático, los efectos dramáticos de la fotografía provocan la implicación emocional del espectador en una identificación empática hacia la víctima.
La narración, algo que pasa y desaparece dejando apenas unas huellas, se plasma como si se fuera observada a través del teleobjetivo o visor, no del artista o del espectador, sino del poder, del aparato coercitivo del terror. Impregnada de cultura cinematográfica y literaria, la mirada de Genovés da cuenta de la condición humana frente a la opresiva presencia del poder.
La Colección Martínez Guerricabeitia es una colección peculiar y atípica. Compuesta por un total de 520 piezas, está centrada en artistas cuyo modo de expresión artística es la figuración y el realismo y su intención, su contenido ideológico es siempre la crítica, la disidencia y el compromiso. Formada por Jesús Martínez Guerricabeitia fue donada a la Universidad de Valencia en 1999.

El MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante presenta las
obras de Julio González depositadas en el MACA por Florencio
Martín, heredero de Eusebio Sempere.
Se trata de unas obras significativas que muestran la importancia de
los fondos que el artista alicantino reunió con la intención de
acrecentar la Colección Arte Siglo XX pero que lamentablemente
nunca llegaron a este museo. Es ahora, con este depósito, una
oportunidad inmejorable para cumplir con su intención.
Estos dibujos de Julio González acompañan las espléndidas obras
que posee la Colección Arte Siglo XX: "Montserrat criant nº 2";
“Nature morte”; “Petit masque aéré” y “Petite maternité assise”,
ampliando la visión que tiene el Museo de este artista. Julio González (1876-1942)
Julio González está considerado como uno de los grandes nombres de la
escultura moderna. Se formó como artesano en la metalistería artística que
su padre tenía en Barcelona. Su trabajo con el hierro, con el que creó un
lenguaje propio, ha sido valorado como una de las aportaciones más valiosas
de las vanguardias de los años treinta, aunque solo dedicó una década de su
vida a la creación con este metal. González empezó a trabajar el hierro a
finales de la década de los veinte, cuando tenía ya más de cincuenta años, y
aunque ya había trabajado el metal para crear joyas y diversos objetos
decorativos fue entonces cuando comenzó a realizar pequeños relieves en
cobre repujado y, más tarde, a experimentar con pequeñas planchas,
creando cabezas y figuras de mujer. Fue el contacto con Picasso, con quien
colaboró entre 1928 y 1932, lo que le permitió reparar en las posibilidades
que tenía el hierro para la escultura. El artista malagueño, le pidió en 1928
colaboración técnica en la creación de una serie de obras de hierro, entre
ellas una escultura para un monumento en homenaje a Apollinaire y Femme
au jardin.
Sus orígenes artesanos, el conocimiento de las posibilidades que le ofrecía el
hierro, junto a una gran libertad imaginativa y a la sensibilidad propia de un
gran artista, le permitieron crear un lenguaje nuevo, muy personal. Se
incorporó a la vanguardia con nuevas y potentes formas escultóricas y un
lenguaje propio, calificado de abstracto, que tuvo como objetivo esencial el
maridaje entre formas y espacio. En sus esculturas, el espacio forma parte de
la misma obra, iniciando un camino que después siguieron muchos otros
escultores como David Smith o Eduardo Chillida. El propio González aplicó el
término “dibujar en el espacio” a una parte de su obra, la que realizó con
barra o varilla de hierro.
Las esculturas filiformes o lineales –lo que él mismo denominaba dibujar en el
espacio–, las testas volumétricas o las figuras biomórficas son el resultado de
un trabajo de gran rigor técnico y conceptual que le abriría las puertas al
reconocimiento como uno de los grandes escultores del siglo XX.

El MACA - Museo de Arte Contemporáneo de Alicante presenta las obras de Pablo Picasso, Luis Fernández y Julio González, depositadas en el MACA por Florencio Martín, heredero de Eusebio Sempere, que pueden disfrutarse desde el día 25 de julio de 2017.

Se trata de unas obras significativas que muestran la importancia de los fondos que el artista alicantino reunió con la intención de acrecentar la Colección Arte Siglo XX, pero que lamentablemente nunca llegaron a este museo. Es ahora, con este depósito, una oportunidad inmejorable para cumplir con su intención.

Estas piezas acompañan en el espacio las espléndidas obras de Julio González, Juan Gris y Pablo Gargallo que posee la Colección Arte Siglo XX. Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 1881 – Mougins (Francia), 1973)
Unos de los mayores artistas del siglo XX, que partició en numerosos movimientos artísticos.
Picasso recurre en numerosas ocasiones a El Greco, uno de sus pintores preferidos, en un regreso a sus raíces españolas. Picasso admiraba "El entierro del Conde de Orgaz" de El Greco, cuadro al que dedicó un libro que compuso entre 1957 y 1959. Un monumental libro que Picasso ilustra con su propia poesía basada en su vida y en su Andalucía.
Se trata de un libro ilustrado por Pablo Picasso, uno de los más importantes dentro de su producción. La publicación consta de un prólogo y texto de Rafael Alberti y 12 aguafuertes y un grabado a buril. El texto del volumen está fechado en 1939, manuscrito por el propio Picasso en litografía de colores y se acompaña de los aguafuertes y la punta seca. El libro muestra el conocimiento que Picasso tenía de las técnicas del grupo de André Breton y prueba de ello es el escrito automático que se edita en facsímil acompañando la serie de grabados, una experiencia surrealista del Conde de Orgaz donde el erotismo y la pornografía son temas recurrentes: escenas exóticas, escenas de circo o escenas alegóricas impregnadas de erotismo.
"Se incluye en El Entierro del Conde de Orgaz este gabado al buril que data de 1939, y que, de acuerdo con la técnica, pero también con el sentimiento picassiano de ese tiempo, muestra una rigidez e intensidad lineal muy características. La idea de incluir esa estampa en el libro le vino a Picasso del texto que grabó al buril armonizando letra y dibujo. Es un breve fragmento, pero sus características de estilo preconizan ya el que distingue los desatados párrafos del Entierro, con su desdén de la lógica e incluso de la ortografía, si es que no se trata de un gusto por vulnerarla abiertamente. Por tanto, este grabado que une texto y dibujo, y que surgió como pura expresión de un momento lírico, indeterminado acaso, pasa a enriquecer los ejemplares del noveno volumen de las Ediciones La Cometa."
Texto explicativo sobre el grabado al buril incluido en El Entierro del Conde de Orgaz, editado y estampado por la Editorial Gustavo Gili, S.A. De Barcelona en 1969. Luis Fernández (Oviedo, 1900-París, 1973)
Estudia en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Se traslada a París donde entra en contacto con los movimientos artísticos de vanguardia. Allí conocerá a artistas como Lipchitzi, Braque, Ozenfant, entre otros y a los españoles Joaquín Peinado, Francisco Bores, Julio González y Picasso. Estos artistas le darán la oportunidad de conocer y trabajar los diferentes ismos artísticos de las vanguardias: cubismo, purismo, neoplasticismo a los que seguirá más tarde el surrealismo. Su obra evolucionará progresivamente hacia un mundo más personal y hermético. 
Este dibujo preparatorio confirma los rasgos arquitectónicos y geométricos que el artista ha estudiado con detenimiento las diferentes relaciones entre las partes, sirviéndose de recursos geométricos para crear figuras de fuerte intensidad.
Al igual que el original, la imagen se apoya sobre el número tres: tres cuellos, tres mentones, tres narices, ... tres cabezas, de esta manera la central se sirve parcialmente de los elementos de los dos laterales. Tres cabezas constituidas rítmicamente, arquitectónicamente: los arcos ciliares aparecen sostenidos por las columnas que son la nariz, y estas se apoyan en los labios de la boca, se adornan con los arcos de los lóbulos nasales y destacan con las esferas de los tres mentones. El ritmo se establece en la verticalidad de todos estos motivos pero también en la superposición horizontal de arcos, círculos y rectas.

Julio González (Barcelona, 1876 – Arcueil (Francia), 1942)
Julio González está considerado como uno de los grandes nombres de la escultura moderna. Se formó como artesano en la metalistería artística que su padre tenía en Barcelona. En París, ciudad a la que se traslada con su familia, entra en contacto con artistas españoles como Gargallo, Sabartés, Hugué y Picasso. Pero fue el contacto con Picasso, con quien colaboró entre 1928 y 1932, lo que le permitió reparar en las posibilidades que tenía el hierro para la escultura. Su trabajo con el hierro, con el que creó un lenguaje propio, ha sido valorado como una de las aportaciones más valiosas de las vanguardias de los años treinta, aunque solo dedicó una década de su vida a la creación con este metal.
En sus esculturas sus antecedentes los encontramos en las obras de Pablo Gargallo, el espacio forma parte de la misma obra, iniciando un camino que después siguieron muchos otros escultores como David Smith o Eduardo Chillida. El propio González aplicó el término “dibujar en el espacio” a una parte de su obra, la que realizó con barra o varilla de hierro.
Las esculturas filiformes o lineales –lo que él mismo denominaba dibujar en el espacio–, las testas volumétricas o las figuras biomórficas son el resultado de un trabajo de gran rigor técnico y conceptual que le abriría las puertas al reconocimiento como uno de los grandes escultores del siglo XX.
Máscara es una acuarela realizada por Julio González en 1940 que pertenece a una serie de estudios para máscaras de carácter geométrico. El artista toma su propio retrato como modelo para trabajar y modificar las proporciones y rasgos de su rostro llevándolos a una reordenación abstracta.
Esta es una serigrafía de la acuarela realizada por González, estampada por Eusebio Sempere y Abel Martin para la exposición que tuvo lugar en el Ateneo de Madrid en 1960 sobre Julio González.