El cubismo fue más que una vanguardia, fue el movimiento artístico que inauguró la modernidad. No hubo un solo cubismo sino muchos cubismos. Fundado en París a finales de la primera década del siglo XX por Braque y Picasso, sus límites temporales se extienden más allá de los años 20, cuando otros artistas se incorporan para redefinirlo.

El cubismo propone un revolucionario modo de pintar basado en un intenso trabajo de deconstrucción de la realidad, de renuncia a la perspectiva convencional, de ausencia de detalles y de geometrización de las formas. Al modificar la manera de plasmar la naturaleza de los objetos cotidianos, el cubismo cambió para siempre la forma de mirar la pintura: ahora el espectador debe recorrer planos, líneas y colores, dispuestos según un ritmo propio que obliga, no sólo a una contemplación sensorial, sino también, a un ejercicio intelectual de reconstrucción. Un legado estético que ha perdurado en el tiempo.

La exposición se articula en tres ámbitos. Abrimos la muestra con la obra de artistas contemporáneos que trabajaron en París, la visión de los otros cubismos, y cerramos la exposición con la expansión internacional del movimiento, recogida con la presencia de artistas españoles y latinoamericanos. El núcleo de la colección, y que ocupa el espacio central de la muestra, son las 11 piezas excepcionales del artista madrileño Juan Gris.
Juan Gris es el pintor de la geometría mística y así lo descubre y admira Eusebio Sempere cuando en 1977 adquiere, con gran esfuerzo económico, el lienzo Naturaleza muerta a la servilleta que conservamos en la Colección Arte Siglo XX de este Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA) y que se convirtió en el primer Juan Gris expuesto en una colección pública española. Esta exposición sirve de homenaje a tal generosidad.
 

La Colección de Mariano Yera sigue la evolución de la historia del arte en España, ya que están representadas las principales corrientes pictóricas y sus autores más destacados. Se compone de más de ciento cuarenta obras de gran calidad, todas ellas expresivas de la particular mirada de cada uno de los sesenta y tres artistas que componen este singular testimonio de la creación pictórica española desde los años 50 del siglo pasado hasta finales del XX, una época rica en propuestas artísticas de enorme relevancia. Una selección más próxima a la generación de Sempere es la que se muestra en el MACA.

La muestra compuesta por tres planchas y un rollo de papel interminable forman parte de la creación más reciente de la artista china donde evoca sus viajes a través de las montañas chinas sagradas; rollos de papel y tinta china de grandes proporciones que se despliegan alargándose a modo de manantiales en los espacios donde intervine. En la exposición “Metamorfosis”, Bingyi recurre a los juegos de luces y sombras, manchas suaves y delicadas, propias de la poética del haiku, donde la artista gusta desenvolverse, al manifestar su asombro y arrobo que le produce la contemplación de la naturaleza.

Desborde consiste en un tejido de gran tamaño cuya materia prima es hilo de plástico rojo, naranja y dorado con un alma de alambre. La estructura que está formada por 100.000 metros de alambre y 3 millones de nudos, que parte del concepto de fractal, un nudo que se repite y conecta las distintas partes de la malla con una gran posibilidad de permutaciones.

Cuatro propuestas artísticas a cargo de las artistas más representativas del panorama artístico contemporáneo. A partir de un recorrido circular, las obras de Carmen Calvo, Eva Lootz, Isabel Muñoz y Flor Galindo nos muestran que las preocupaciones que tiene el ser humano como entidad creadora son las mismas que tenían en la historia antigua y medieval. Cada instalación va acompañada de una selección musical ofrecida por Capella dels Ministrers, eje a partir del cual se conforma el Ciclo de la Vida.

Desde finales de los años 60 hasta la década de los 90, los principales autores españoles trabajaron con Íbero-Suiza. Eusebio Sempere fue el primero de ellos en conocer esta técnica. Los artistas, con un claro compromiso antifranquista, utilizaron la serigrafía, como medio para difundir tantos sus inquietudes ideológicas como su arte.

Durante décadas, la familia de José Llopis ha conservado parte del material impreso, desde estampas dedicadas a pruebas numeradas y firmadas, carteles, pruebas de taller, de color y estampas incompletas que quedaron fuera de la edición. Material que hoy nos permite entender el proceso de creación de los artistas y los técnicos del taller y que resulta de gran interés para especialistas e investigadores del ámbito de la obra gráfica contemporánea.

La muestra está compuesta por 46 piezas, dos de ellas del MACA. 44 serigrafías y 1 obra original. Además de material documental, cartas, dibujos, pantallas, fotografías.... y una selección de carteles también estampados en serigrafía.

Obras prestadas por colecciones particulares y colección del artista. Esta retrospectiva que abarcaba gran parte de su etapa creativa (1984-2011), reivindicaba el talante independiente de Fernando Sinaga y perseguía hacer patentes la riqueza y complejidad de su obra. El traspaso de límites supone no solo la interactividad entre obras, sean objetos o imágenes, sino la apreciación del espacio como un elemento visual y plástico más que como contenedor neutral de creaciones, lo que a su vez implica valorar el arte más como experiencia estética en la que se participa, que como contemplación distanciada.

En la muestra quedaba de manifiesto que Sinaga se sumerge en una ideológica individual, cambiante, favorecedora de las diferencias y no de la homogeneidad y que responde al imperativo estético en el sentido de creación y no de belleza, por un lado a través de la expansión del concepto de escultura, y por otro, en obras como De los sentimientos, 1994 a través de la revisión de la idea de abstracción.

Esta colección comenzó a formarse hace más de 30 años por los organismos que precedieron a AENA en la toma de decisiones sobre inversiones en infraestructuras aeronáuticas. La mayor parte de las pinturas, esculturas, murales y obras gráficas, que componen la Colección corresponden, con algunas importantes excepciones, a la producción artística española e iberoamericana más reciente donde están representadas las más significativas tendencias del arte contemporáneo.

La selección que se muestra en el MACA corresponde a una excelente generación de artistas que representan lo mejor del arte español del último cuarto del siglo XX. Las obras escogidas destacan por su contemporaneidad y su fuerza expresiva y provocan en el espectador un intenso impacto emocional.

Primera exposición de producción propia del MACA, realizada en colaboración con el Centro de Arte Tomás y Valiente, CEART de Fuenlabrada. Esta muestra invita a establecer un juego de paralelismos introduciendo el factor temporal y profundizando en la temática que acentúa sus valores estéticos. Un mismo tema desarrollado en momentos estéticos diferentes de su trayectoria artística dan como resultado sugerentes parejas de obras en las que Tàpies se enfrenta a sí mismo ofreciendo distintas visiones entre el artista de ayer y casi de hoy, siempre con el denominador común de la intensidad, la fuerza. Con el paso del tiempo esa energía, ese vigor en la gestualidad, se hacen más latentes. Su trazo contundente parece acompañado de un brazo y un corazón cada vez más jóvenes. No es necesario hacer una retrospectiva para observar esta realidad pues cualquiera de sus piezas la contiene.

Las piezas elegidas son de una gran diversidad técnica: desde de las características técnicas mixtas a base de materia sobre tela o tabla, collages de objetos o texturas, pintura sobre tela, ensamblajes o grafito sobre papel.

La exposición integra también un ensamblaje sobre tierra chamotada, es decir, una de las famosas piezas cerámicas del artista. La diversidad técnica resulta evidente y, no obstante, la sensación unitaria del conjunto es del mismo modo claramente perceptible. Nuestra visión como espectadores actuará como el montaje en paralelo y saltará de una pintura a otra para encontrar las coincidencias y extraer los nuevos significados que sin duda, surgen más allá de la contemplación aislada de una obra en particular. En conjunto la obra expuesta resulta impactante, no solo por el carácter de su iconografía, (duales, complementarios, contradictorios) sino también por la auténtica lucha que se establece entre la oscuridad y la luz que no obedece de manera exclusiva a la herencia tenebrista o la pintura barroca española. Temas capitales como el amor, y el dolor o la vida y la muerte son los que están más presentes en la obra de Tàpies.

Las obras de esta exposición confrontan al espectador con la presencia física de la pintura. En sus componentes visibles —forma, color y línea— se encuentra toda su capacidad persuasiva. Su materialidad se percibe como un acontecimiento visual que surge del plano pictórico y que actúa como una energía que envuelve al espectador y lo implica emocionalmente. En el siglo xx la pintura se liberó de su función imitativa y representativa del mundo visible y se convirtió en una realidad en sí misma. La abstracción la llevó a emprender un viaje de exploración de la superficie plana del cuadro y de sus propiedades físicas durante el que se despojó de todo aquello que no fuera objetivo.

En ese proceso la pintura adquirió vida propia. Las obras de esta exposición confrontan al espectador con la presencia física de la pintura. En sus componentes visibles —forma, color y línea— se encuentra toda su capacidad persuasiva. Su materialidad se percibe como un acontecimiento visual que surge del plano pictórico y que actúa como una energía que envuelve al espectador y lo implica emocionalmente. La pintura abstracta forma parte de este mundo en constante cambio y su lenguaje visual no posee significados permanentes. Siempre será sensible a diferentes miradas y a su relación con el espectador.