La exposición titulada Joan Miró i Joan Baixas. Mori el Merma en Alicante, organizada por el MACA y el Consorcio de Museos de la Generalitat, no hubiera sido posible sin la cesión de las obras de la Diputación de Alicante, Fundació Miró, Barcelona; Fundació Pilar i Joan Miró, Palma; Es Baluard, Palma; Archivo Catalá Roca, COAC, Colegio de Arquitectos de Catalunya y Archivo Municipal de Alicante. Historia de una representación Mori el Merma fue un espectáculo teatral de la compañía Teatre de la Claca dirigida por Joan Baixas y Teresa Calafell con decorados, máscaras y grandes títeres o muñecos diseñados y pintados por Joan Miró. Durante varios meses, Miró colaboró en el diseño de los personajes construidos en tela y goma espuma por el grupo y en marzo de 1977, en el propio taller de La Claca y como un miembro más del grupo, procedió a pintarlos y decorarlos. Tras meses de ensayos, la obra se estrenó primero en Palma de Mallorca, en el Teatro Principal y después, en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona el 7 de Junio de 1978. En los primeros dos años, desde 1978 a 1980, se representó dentro del Festival d’Automme en el Centro Pompidou de París, en los Riverside Studios de Londres, en la Fondation Maeght de Saint Paul de Vence o en la Sala Olympia de Madrid. La importancia de Mori el Merma en la producción de Joan Miró es capital: no es una más de sus incursiones en la escena teatral, un aspecto artístico por el que sentía auténtica pasión. Se trata de la representación del personaje de Ubú que Miró asocia al general Franco. Joan Miró concebía al dictador como la encarnación de las tinieblas, la mano de hierro de la España más negra, la fuerza siniestra que sembraba de sal los territorios donde había de crecer la libertad. El personaje de Ubú que Miró desarrolla plásticamente a través de una serie de dibujos y de tres carpetas de litografías, sube a escena con la obra de Mori el Merma que recoge su ideario político tranversalmente bañado de surrealismo. La historia de los muñecos de Mori el Merma en Alicante es complicada pero apasionante. Cuando en 1980, La Claca desmontó la obra para acometer una nueva etapa, Miró accedió a que se vendieran los decorados iniciales, parte de los cuales fueron depositados en la Fundación Miró de Barcelona y otra parte, gracias a las gestiones del artista alicantino Eusebio Sempere, se adquirieron por la Diputación de Alicante con el propósito de completar la Colección Arte Siglo XX. Mientras tanto, los decorados fueron expuestos en 1980 en el Museo de la Asegurada, no sin fricciones entre el artista y el Ayuntamiento como recoge la prensa. Después de catorce meses de exposición fueron desmontados y almacenados en cestos de mimbre que se retiraron en 1988 por la Diputación, donde se conservaron desde entonces. Nunca más volvieron a exponerse. Esta muestra que presentamos ha sido posible gracias a la colaboración de todas las instituciones implicadas, de la voluntad de poner en valor esta fascinante historia sobre los muñecos, máscaras y decorados por Joan Miró y el grupo de Teatro La Claca, y de recuperar para todos, una más de las gestiones realizadas por Eusebio Sempere en beneficio de sus conciudadanos. Los muñecos, máscaras y material escénico han sido restaurados por el Instituto Valenciano de Conservación y Restauración de la Generalitat. Joan Miró, Ubu y el teatro Pintor de poetas como lo definió Joan Brossa, Miró mantuvo una estrecha relación con la literatura, especialmente con la creación poética de su época, con los poetas y escritores vinculados con la vanguardia que le atraen por su afán de experimentación y por su carácter rebelde e inconformista. Desde esta óptica hay que entender su sintonía con los surrealistas con los que se identifica muy pronto, a su llegada a París en los años 20. El surrealismo le abre las puertas de un imaginario que hizo suyo y le dotaba de cierta idea de rebeldía que no abandonará nunca. En esa búsqueda de la transgresión, Miró sintió auténtica fascinación por la obra de Alfred Jarry y por su famosa obra teatral Ubu roi. El personaje de Ubu, recreado mil veces por los artistas del siglo XX, es la personificación de la tiranía del poder, vulgar y sangriento, que encarna la corrupción y el despotismo. “Ahora todo el mundo lo ve claro que lo que Alfred Jarry imaginó era en realidad Franco y los suyos. Esta es la razón por la cual Ubu me ha fascinado durante los años del franquismo y es la razón por la cual lo he dibujado tantas veces”. Y así fue, el tema le interesaba y trabajo una y otra vez sobre él. El resultado plástico: dibujos, esculturas y tres libros con litografías editados en 1966, 1971 y 1975 (Ubu roi, Ubu aux Baléares y L’Enfance d’Ubu) que fueron estímulo directo para el argumento y los elementos escénicos de la obra de teatro Mori el Merma, espectáculo que en 1978 cerraba el ciclo de Ubu en la obra de Joan Miró.La pasión de Miró por la escena es un tema puesto de manifiesto en exposiciones y estudios pero no tan conocido por el público general. Para el mundo teatral diseñó vestuario, personajes, carteles y espectáculos de danza. Le fascinaba el tema de la representación y creía en el gran teatro del mundo donde todo cobraba vida. “El teatro se hace y no queda nada, eso es fascinante. La obra de arte puede desaparecer, eso no importa pero tiene que haber dejado sus semillas en la tierra”. En 1975, Joan Miró propuso al grupo de Teatre La Claca una colaboración más allá de pintar una pareja de títeres o cabezudos; quería participar en el diseño y puesta en escena de una obra de teatro, Mori el Merma (el título llegaría después) en lo que terminó por convertirse en el último gran proyecto de su vida. Miró quería implicarse atraído por el lenguaje teatral en un espectáculo completo y sintió desde el principio un interés apasionado por este trabajo en común. Fundamentalmente por tres razones. Primero porque la intervención plástica que le solicitaban versaba sobre su propia obra y se lo planteó como un reto de experimentación plástica. En el nivel teatral, Miró participaba de la idea de un teatro poético, no necesariamente vinculado a la palabra y con fuertes raíces populares manifestadas en fiestas y carnavales. Y por último y como razón fundamental, Miró colaboraba así, en un momento tan delicado como 1976-1977, en la lucha contra la intolerancia y los abusos del poder, a exorcizar los miedos, a rematar a los agresores y sus adeptos que habían hecho prisioneras las ideas y la expresión de todo un pueblo y a expulsar la rabia y la amargura. Miró consiguió gracias a la colaboración y al entusiasmo de los jóvenes de La Claca poner en escena una obsesión plástica y política. A su edad, cerca ya de cumplir los 90 años, el artista se mostraba aún curioso y en busca de nuevos descubrimientos; prueba constante de su juventud. Fue su último gran proyecto, con plena conciencia y con la más grande de las satisfacciones. La exposición 1.-Joan Miró / Alfred Jarry Joan Miró tuvo desde siempre un interés muy especial por la obra de Alfred Jarry. Sentía auténtica fascinación por los escritos y la personalidad del artista francés y por su famosa obra teatral Ubu roi a la que dedicaría tres libros de bibliófilo y la escenografía de la obra que nos ocupa Mori el Merma. El texto de Ubu roi considerado la vanguardia del movimiento dadá ha estado representado con éxito a lo largo del siglo XX por numerosos directores teatrales que a menudo la han adaptado a la actualidad. Miró conoció el texto de Jarry en los primeros años 20 puesto que compró un ejemplar del libro editado en 1921 y lo leyó y releyó anotando al margen y dibujando en las páginas libres inspirado por el personaje de Ubu y en recortes que intercala entre las páginas del ejemplar conservado en la Fundación Miró de Barcelona. Su interés por el texto se manifiesta por primera vez en 1937 cuando participa en la realización del programa de mano de Ubu enchainé presentado en la Comédie des Camps Elysées con decorados de Max Ernst. Miró participó junto con Bretón, Eluard, Magritte, Picasso, Man Ray, Tanguy y otros en la edición de un cuaderno de dibujos y textos poéticos dedicados a Jarry y al mundo de Ubu. Miró presenta un grotesco Retrato de la Mère Ubu, deforme tubérculo en el que los elementos líricos conviven con los motivos escatológicos y groseros. Con los años, la fascinación por el personaje de Jarry adquirió una extraordinaria dimensión a través de la trilogía de libros dedicados a Ubu y editados por Tériade. 2.- Ediciones de artista. Inspirado en la farsa grotesca de Alfred Jarry, Joan Miró diseña tres libros de bibliófilo editados por Tériade en París en 1966, 1971 y 1975 que ilustran la obsesión del artista por el personaje de Ubu. La primera con texto original de Afred Jarry es Ubu roi. La segunda y la tercera son fruto total de la invención de Miró, tanto las situaciones como los dibujos y el texto. Casi podríamos hablar de dos obras teatrales de Miró en la línea del teatro del absurdo que también ilustra gráficamente y son Ubu aux Baleares y Lènfance d’Ubu. Miró sitúa al protagonista de Jarry en Baleares y con un ingenioso contrapunto de imágenes y frases populares mallorquinas y catalanas de tono humorístico y un poco grosero, recogidas por el artista para componer el texto parece que quiere optar por la ironía y la broma más que por el dramatismo. UBU ROI Alfred Jarry, Ubu roi, Litografías originales de Joan Miró París Tériade Editor, 1966. Impresor: Imprimerie Nationale, París, para el texto y la tipografía. Mourlot, París, para las litografías. Editor: Tériade Editeur, París. Ubu roi contiene 13 litografías (un frontispicio y doce láminas interiores dibujadas en violentos arabescos entrelazados que tienden a llenar todo el espacio) coloreadas con tintas muy variadas, de extrañas tonalidades quebradas (amarillos y verdes pálidos, azules tirando a lila, malvas…) de intensidad predominantemente estridente. El gran dinamismo de la escenas proviene de la ondulación imparable de todos los trazos, de la tendencia al enlazamiento continuo de las diversas figuras y, sobre todo, de la composición basada en las posiciones respectivas de los personajes, siempre en una relación mutua fuertemente chocante, casi paroxística: de exhibición, de amonestación, de repulsa, de agresión brutal… Cada una de las trece litografías se ha tratado como si fuera un teatrino, como un espacio donde se han situado los diferentes volúmenes en este caso los personajes de la obra, más que como un dibujo. Las formas grotescas y redondeadas evocan al tirano y a todo su séquito. Los colores violentos y chillones dan un tono folclórico e inquietante, más que armonioso, a cada una de las escenas. Valenciana.

• 38 cuadros de algunos de los grandes representantes de esta corriente en torno a la obra del madrileño Juan Gris, de quien se mostrarán doce obras, entre ellas el óleo Nature norte à la serviette (1924) que posee el MACA. • Se trata de la primera vez que la Colección Cubista de Telefónica se muestra en un museo de arte contemporáneo español de carácter público, un hito en sus itinerancias. • La exposición se completa con el documental Juan Gris. Cubismo y modernidad, de José Luis López-Linares y varios talleres didácticos y actividades. Alicante, 30 de septiembre de 2014.- No uno, sino muchos cubismos son los que reúne la exposición “Colección Cubista de Telefónica” con 37 piezas bellísimas de una calidad excepcional y que desde hoy y hasta el 11 de enero de 2015 podrá visitarse en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA). A esta selección de 37 obras que se organiza en torno a la obra de Juan Gris, se une el óleo sobre lienzo Nature norte à la serviette (Naturaleza muerta a la servilleta, 1924) que posee el MACA y que el coleccionista Eusebi Sempere adquirió con enorme esfuerzo económico en Madrid en 1977. Esta obra se conserva en la Colección Arte Siglo XX del MACA y se convirtió en el primer Juan Gris expuesto en una colección pública española. La muestra, que reúne parte de los fondos de la Colección Cubista de Telefónica, se articula en tres ámbitos: la obra de Juan Gris –11 piezas excepcionales del artista madrileño–, la visión de los otros cubismos con la obra de otros artistas contemporáneos que trabajaron en París (Gleizes, Metzinger, Marcoussis, Lhote, Valmier, María Blanchard...) y, cerrando la exposición, la expansión internacional del movimiento recogida en la presencia de artistas españoles y latinoamericanos. Se trata de la primera vez que la Colección Cubista de Telefónica se muestra en un museo de arte contemporáneo español de carácter público, un hito en sus itinerancias. La exposición se completa con el documental Juan Gris. Cubismo y modernidad, de José Luis López-Linares y varios talleres didácticos y actividades. Muchos cubismos La Colección de Telefónica pone de relieve la diversidad de las propuestas y técnicas cubistas desarrolladas a lo largo del tiempo, pues el Cubismo fue más que una vanguardia: fue el movimiento artístico que inauguró la modernidad. No hubo un solo cubismo sino muchos cubismos. Fundado en París a finales de la primera década del siglo XX por Braque y Picasso, sus límites temporales se extienden más allá de los años 20, cuando otros artistas se incorporan para redefinirlo. A través de un revolucionario modo de pintar, el cubismo cambió para siempre la forma de mirar la pintura: ahora el espectador debe recorrer planos, líneas y colores, dispuestos según un ritmo propio que obliga no sólo a una contemplación sensorial, sino también a un ejercicio intelectual de reconstrucción. Ante todo el cubismo se basa en un intenso trabajo de deconstrucción de la realidad, de renuncia a la perspectiva convencional, de ausencia de detalles y de geometrización de las formas. Su capacidad de transformación lo convirtió en un legado estético que ha perdurado en el tiempo. Juan Gris, el más puro de los cubistas Juan Gris desarrolló una noción de pintura capaz de vertebrar con gran coherencia toda su trayectoria estética e influir poderosamente en la de otros artistas, desde su época hasta hoy. Se sumó al movimiento cubista cuando ya estaba fundado para refundarlo, creando un idioma plástico universal relacionado con el clasicismo moderno y con la abstracción denominado segundo cubismo o cubismo sintético. Juan Gris no parte de la naturaleza para ir a lo abstracto sino de lo abstracto de la geometría y el plano de color para ir a la realidad. Una nueva definición del cubismo llevada a cabo entre 1916 y 1923 que otorga unidad al cuadro, convertido ahora en una verdadera arquitectura de formas y colores. Para Juan Gris, el cubismo no era un procedimiento pictórico sino una estética, un estado de espíritu que impregnaba su visión de la modernidad. El artista está representado en la Colección Cubista de Telefónica en la diversidad y complejidad de su trayectoria. Desde las obras de la primera década del siglo XX caracterizadas por la fragmentación de la imagen, el cromatismo contenido y la geometrización rigurosa de las formas hasta sus obras de los años 20, matizadas de color, más líricas, más naturalistas que incluyen el exterior, la vida orgánica y la curva. Juan Gris busca siempre el diálogo entre pintura y poesía. Inventor de las rimas plásticas _una suerte de metáforas estéticas-, sus lienzos esconden juegos simbólicos, correlaciones de formas y figuras que otorgan plasticidad y sensualidad a sus obras eternas. El movimiento cubista en París Tradicionalmente la historia del arte considera que el cubismo nace en 1907 y muere en 1914. Pero en tiempos del cubismo, ser cubista era algo más complejo y diverso. A la primera vanguardia artística del siglo se sumaron, además de Picasso y Braque, los artistas más importantes. Algunos adoptaron inicialmente la estética cubista, caso de Picabia, Duchamp, Lipchitz, Leger, Gleizes o Metzinger, estos últimos autores de Sobre el cubismo – Du cubisme-, un texto de gran repercusión en el que exponían su teoría de la forma plana y las perspectivas pluridimensionales. Otros se incorporan más tarde como Dufy, Derain, los Delaunay o María Blanchard que lo hizo por un breve pero intenso periodo en el que creó una serie de bodegones de gran pureza geométrica. Y entre ellos, Guillaume Apollinaire redactando el texto que serviría de falso manifiesto, Los pintores cubistas. El estudio del ambiente parisino entre 1914, fecha del inicio de la Primera Guerra Mundial y 1924, año de publicación del Manifiesto Surrealista, ha demostrado la pervivencia y desarrollo de la experiencia cubista alumbrando una segunda época tan fértil y “heróica“ como la primera. Nuevos registros siempre en torno a Juan Gris. Artistas que trabajaron más allá del cubismo canónico afirmando las posibilidades plásticas del color, apostando por las cualidades estéticas y comunicativas de la forma, otorgando sensación espacial y profundidad a las composiciones..., paisajes y naturalezas muertas, que atrapan nuestra mirada. Expansión internacional en España y Latinoamérica Varios artistas que participaron del cubismo tuvieron un papel principal en la modernización del arte latinoamericano extendiendo geográficamente el movimiento vanguardista: redes, cruces, relaciones personales y viajes que transportan y transforman el cubismo a un lado y a otro del Atlántico. En el uruguayo Rafael Barradas o en los argentinos Pettoruti y Xul Solar, la impronta de este movimiento es evidente. Las obras del brasileño do Rego Monteiro o del uruguayo Torres García parten del cubismo pero apuntan otras influencias como el primitivismo. Novedosos son los caligramas del chileno Vicente Huidobro, unión de pintura y poesía al combinar imagen y texto. Los españoles Joaquín Peinado y Manuel Ángeles Ortiz transformaron y reinterpretaron el lenguaje cubista con la incorporación del paisaje en el caso de este último.

El Museo inaugura la exposición que permanecerá durante los meses de julio a septiembre en la sala de temporales del MACA, compuesta por una selección de 18 obras, pertenecientes a la colección privada Mariano Yera. La Colección YERA: El origen de la colección se remonta a 1999, cuando Mariano Yera junto a Javier Lacruz, comenzó a coleccionar pintura española de la segunda mitad del siglo XX bajo el nombre de Colección De Pictura, pasando a denominarse, a partir de 2013, Colección Mariano Yera. La Colección sigue la evolución de la historia del arte en España ya que están representadas las principales corrientes pictóricas y sus autores mas destacados. Se compone de más de ciento cuarenta obras de gran calidad, todas ellas expresivas de la particular mirada de cada uno de los sesenta y tres artistas que componen este singular testimonio de la creación pictórica española desde los años 50 del siglo pasado hasta finales del XX, una época rica en propuestas artísticas de enorme relevancia. Como bien señala Valeriano Bozal en Historia de la pintura y escultura del siglo XX en España II. 1940-2010 “...fueron años en los que se realizaron algunas de las obras mas importantes de nuestro arte moderno”. En ella se aúnan artistas y movimientos como los grupos Pórtico (Lagunas, Aguayo y Laguardia) y Dau al Set (Tàpies, Cuixart o Ponç), pioneros de la renovación plástica de postguerra; del grupo El Paso (Saura, Millares, Feito, Rivera o Viola), del Equipo 57 o de la Crónica de la Realidad (Equipo Crónica, Equipo Realidad o Genovés). Asimismo, la Colección también cuenta con obras de miembros del grupo Trama (Broto, Grau o Tena) y de artistas de la talla de Gordillo, Alcolea, Pérez Villalta, Cobo, Barceló, Sicilia o Campano entre otros, a los que se unen creadores más jóvenes. Muchas de las obras de la colección, algunas de ellas que ahora se exponen en el MACA han formado parte de importantes exposiciones colectivas. Durante la 32ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO de Madrid se le concedió el Premio A al Coleccionismo Privado a Mariano Yera. La voluntad de la familia es que la Colección contribuya al conocimiento de la obra y pensamiento de estos artistas, reflejo y testimonio de una época en que España apenas tenía presencia en el panorama artístico internacional.

La exposición titulada Metamorfosis de la artista Bingyi, ha sido organizada conjuntamente entre la Universidad Miguel Hernández, el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA) y la galería Charpa de Valencia. La muestra podrá visitarse hasta el 29 de junio.La muestra compuesta por tres planchas y un rollo de papel interminable forman parte de su creación más reciente donde evoca sus viajes a través de las montañas chinas sagradas; rollos de papel y tinta china de grandes proporciones que se despliegan alargándose a modo de manantiales en los espacios donde intervine. En la exposición “Metamorfosis”, Bingyi recurre a los juegos de luces y sombras, manchas suaves y delicadas, propias de la poética del haiku, donde la artista gusta desenvolverse, al manifestar su asombro y arrobo que le produce la contemplación de la naturaleza. Más información en la nota completa.

Del 15 de abril al 8 de junio de 2014 el MACA presenta la exposición reúne una selección de obras que forman parte de la Colección Caja Mediterráneo, depositada en el MACA gracias al convenio suscrito entre el Ayuntamiento de Alicante y la Obra Social Caja Mediterráneo. Obras realizadas en técnicas y soportes muy diversos: pintura, escultura, fotografía analógica y digital, impresiones, proyecciones, collage o instalaciones, etc., pobladas de hombres y mujeres. De la naturaleza humana aglutina una serie de piezas de distintos artistas que tienen en común la representación de la dimensión humana. Narrativas en torno al cuerpo humano como figura, como individuo, como fragmento pero también como suma o multitud. Más información en la nota completa.

El museo participa en el Festival Miradas de Mujer 2014, con esta exposición de Capella del Ministrers sobre el ciclo de la vida. Ha sido posible gracias al patrocinio de La Fundació BancSabadell, organizada por Capella de Ministrers y el Ayuntamiento de Alicante, en colaboración con la Universitat de València. Desde su creación el año 1987, el grupo Capella de Ministrers, bajo la dirección de Carles Magraner, ha desarrollado una importante tarea investigadora y musicológica en favor del patrimonio musical español, desde el medioevo hasta el siglo XIX. El resultado, transformado en testimonio musical, conjuga a la perfección tres factores clave: el rigor histórico, la sensibilidad musical y, muy especialmente, un incontenible deseo de comunicarnos y hacernos partícipes de estas experiencias. Más información en la nota completa.

La exposición titulada Fora de sèrie.Serigrafíes d´Ibero-Suiza en la col.lecció de la UPV, producida por la Universitat Politècnica de València, el Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana y el Ayuntamiento de Alicante y comisariada por Antonio Alcaraz se inaugura el 21 de enero de 2014. Serigrafías de la Ibero-Suiza La serigrafía Ibero-Suiza fue fundada en Valencia en 1963, y con la incorporación de José Llopis Dasí, el taller se especializó en la producción de obra gráfica. La desplazaron para trabajar en sus talleres de Liria, convirtiéndose en los años setenta en uno de los talleres serigráficos más completos de los dedicados a la estampación artística en España. En 1964 entran en contacto con Toledo, Valdés y Solbes (Equipo Crónica) estableciendo una fluida relación. Tanto Equipo Crónica, como posteriormente Equipo Realidad, instalaron en algún momento sus estudios en el mismo espacio que ocupaba la Ibero-Suiza. Esta relación de cercanía y amistad,unida a la afinidad política con los artistas hizo que las colaboraciones fuesen continuas. En 1972 se realizó la carpeta “Compositions” de Equipo Crónica, editada por Gustavo Gili para ediciones La Cometa. Esta serie era la más importante que habían realizado hasta esa fecha y a partir de ese momento la demanda de serigrafías artísticas se incrementó hasta constituir el 80 % de la producción de la empresa, cuyos talleres se trasladaron a Liria en 1973 manteniendo una oficina comercial en Valencia. Ese mismo año entra a formar parte de la empresa Paco López, quien la dirigió junto a Ignacio Llopis, desde el fallecimiento de José Llopis en 1982, hasta el cierre en 1998. La amplia nómina de autores a los que prestó sus servicios Ibero-Suiza resulta sorprendente. Nombres fundamentales en la historia del arte español de la segunda mitad del siglo XX, desde Renau y Tàpies, hasta Saura y el Equipo Crónica, pasando por Chillida, Arroyo, Torner, Zóbel, Sempere, Yturralde, Teixidor o el Equipo Realidad, pasaron por estos talleres que tanta importancia ejercieron en la consolidación y difusión de un arte vinculado con las propuestas abstractas del momento y con las posiciones más políticamente comprometidas existentes en la época. La reciente adquisición por parte de la Universitat Politècnica de València de un elevado número de estampaciones compuestas por pruebas de taller y de autor, así como de obras que completaban la edición comercial, constituye el eje de la presente exposición. En la misma se recoge una significativa parte de la colección que, desde ahora, completa los fondos de obra gráfica que nuestra Universidad ha ido acumulando desde la creación hace varias décadas del Fons d´Art, un destacado fondo patrimonial que, a través de trabajos como los que ahora son exhibidos, está enriqueciendo su valor e importancia. Exposición Desde finales de los años 60 hasta la década de los 90, los principales autores españoles trabajaron con Íbero-Suiza. Eusebio Sempere fue el primero de ellos en conocer esta técnica. Los artistas, con un claro compromiso antifranquista, utilizaron la serigrafía, como medio para difundir tantos sus inquietudes ideológicas como su arte. Durante décadas, la familia de José Llopis ha conservado parte del material impreso, desde estampas dedicadas a pruebas numeradas y firmadas, carteles, pruebas de taller, de color y estampas incompletas que quedaron fuera de la edición. Material que hoy nos permite entender el proceso de creación de los artistas y los técnicos del taller y que resulta de gran interés para especialistas e investigadores del ámbito de la obra gráfica contemporánea. La muestra que podrá visitarse hasta el 2 de marzo en la sala de exposiciones temporales está compuesta por 46 piezas, dos de ellas del MACA. 44 serigrafías y 1 obra original. Además de material documental, cartas, dibujos, pantallas, fotografías....y una selección de carteles también estampados en serigrafía.

La exposición titulada Palazuelo. Caligrafías Musicales es una coproducción del MACA en colaboración con el CEART, Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada con participación de la Diputación de Alicante y la contribución inestimable de la Fundación Palazuelo. La exposición se inaugura el día 13 de septiembre a las 19,00 horas en el MACA y podrá verse en la sala de exposiciones temporales hasta el 8 de diciembre de 2013. Esta exposición,comisariada por Rosa Castells y Alicia Ventura, titulada Palazuelo. Caligrafías musicales pretende acercarse a la obra del artista desde su relación con la música, recorriendo la relación tan íntima que existe entre su obra, el sonido y el silencio. Una relación que se descubre desde las primeras obras realizadas en París, algunas tan evidentes como las escritas Sobre el pentagrama o los conjuntos de signos dispuestos en emocionantes dibujos a modo de Cosas olvidadas. También en sus composiciones posteriores son cuestiones esenciales el ritmo, el tempo, la fuga, la intensidad, los acordes, el timbre o el tono… El punto y la línea se convierten en signos de una forma de notación musical, una caligrafía que puede entenderse como código y lenguaje de un sonido primigenio, de esa música que está en el origen, que es vibración, energía que fluye llenando y coagulando todos los espacios del mundo.

La muestra que podrá verse hasta el 8 de septiembre, está formada por una cuidada selección de obras pertenecientes a la DKV Seguros y a la Colección Caja Mediterráneo. La exposición ha sido inaugurada por Miguel Valor, Teniente Alcalde de Cultura y el Consejero Delegado de DKV Seguros, Josep Santacreu, la asesora del Proyecto Arteria DKV y co-comisaria Alicia Ventura, el director de la sucursal DKV de Alicante y Rosa Mª Castells, conservadora del MACA y comisaria asimismo de la exposición. Fruto de las extraordinarias relaciones que fomenta el Ayuntamiento de Alicante con empresas que han apostado sin reservas por el arte y el coleccionismo surge esta exposición que aúna piezas importantes de dos de las más interesantes colecciones de arte contemporáneo de este país. La exposición da lugar a una visión de la diversidad de lenguajes estéticos en el panorama artístico y permite contrastar dos colecciones diferentes entre sí por la naturaleza de su titularidad, por sus criterios de selección y por su extensión geográfica y temporal pero con evidentes nexos de unión entre sí. os simbólicos y monumentales pero también espacios vividos que evocan a veces un pasado olvidado, una memoria que trae la huella que permanece viva. Arquitectura dignificada que construye un paisaje narrativo entre la representación y la ilusión. Universos de ficción de extraordinaria belleza y capacidad de evocación. Figuras ensimismadas en un momento anterior al caos resueltas en equilibrio inestable, donde lo vulnerable o lo frágil por leve, se rompe. Artistas como Jose Mª Ballester, Bleda y Rosa, Hannah Collins, Dionisio González, Gonzalo Puch, Jaime de la Jara, Santiago Sierra o Valentín Vallhonrat reconstruyen espacios transitados por la ingravidez, la luz o el color, con Carlos Irijalba, Ignacio Llamas, Ana Malagrida, Martín Freire, Rebeca Menéndez, Natalia Pastor, Aleix Plademunt, Pamen Pereira o Cecilia del Val. Más información en la nota completa

El MACA de Alicante presenta el 19 de abril Ideas K, una muestra retrospectiva del artista radicado en Salamanca Fernando Sinaga, comisariada por Gloria Moure. La exposición recoge, a través de más de cuarenta obras en diversos soportes expresivos, el imaginario subyacente en la obra de Sinaga a lo largo de gran parte de su etapa creativa, desde 1984 hasta la actualidad. La exposición ha sido posible gracias al esfuerzo de producción realizado por el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León y la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E) que ha editado el catálogo de la muestra. Asimismo es necesario resaltar la colaboración especial del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana y de la Excma. Diputación de Alicante, sin los cuales esta muestra no hubiera sido posible. Otras colaboraciones se han sumado a la organización de la muestra permitiendo así su celebración. Es el caso del trabajo personal de Begoña Martínez de la Galería Aural así como de Edijar, Hostal Les Monjes, Restaurante Dársena y Restaurante Don Carlos. Más información en la nota completa.